miércoles, 13 de enero de 2010

Mañana salimos!!!

Chiquets,

mañana a pesar del frío y la que está cayendo abandonamos el aula.
Es decir, comenzamos la clase en la Facultad, en nuestra querida aula 06. Yo estaré allí desde las 15 horas. Pero después sobre las 18 horas nos vamos al Reina Sofía a intentar ver el siguiente debate, ¿OS PARECE BIEN???

Jueves 14 de enero

Hora: 19:30 h

This is my roof. Dennis Oppenheim, en conversación con Eugeni Bonet

imagen de Dennis Oppenheim. Fusion: Tooth and Nail
Dennis Oppenheim. Fusion: Tooth and Nail, 1970.
Vídeo monocanal, 2’58’’, color, sin sonido.
Cortesía de Electronic Arts Intermix, Nueva York.

Dennis Oppenheim. Extended Armour, 1970. Vídeo monocanal, 2’08’’, b/n, sin sonido
Dennis Oppenheim. Gingerbread Man, 1970. Vídeo monocanal, 1’42’’, b/n, sin sonido
Dennis Oppenheim. Fusion: Tooth and Nail, 1970. Vídeo monocanal, 2’58’’, color, sin sonido
Dennis Oppenheim. Nail Sharpening, 1970. Vídeo monocanal, 2’57’’, b/n, sin sonido
Dennis Oppenheim. Rocked Stomach, 1970. Vídeo monocanal, 2’48’’, color, sin sonido
Dennis Oppenheim. Toward Becoming a Devil, 1970. Vídeo monocanal, 2’20’’, b/n, sin sonido

24 comentarios:

  1. Hola a todos,

    primero, me perdí la parte final de la entrevista al artista, posiblemente por esta razón me fui con un sentimiento de confusión acerca del mensaje de los videos que se proyectaron, aunque cuanto más pienso acerca de ellos más creo que la confusión misma es parte del mensaje, para mi, claro...
    ¿porqué? me gusta y me interesa que alguien reflexione acerca de convenciones y estereotipos que solo constriñen y ahogan la creación de arte, como la obcecación por generar objetos, a traves de técnicas estandarizadas. (fotógrafo hace fotos/expone fotos, pintor que pinta/vende cuadros...) Si los propios artistas no somos liberales, si no buscamos un lenguaje propio... y quien quiera vender cuadros que los venda eh?

    Me gusta el lenguaje metafórico, porque no obliga a las mismas conclusiones para todos, porque es poesia y la reflexión a la que invita es la verdadera belleza. Porque tambien es democrático, y humilde. Los pedestales generalmente son contraproducentes.

    Veo honestidad en el arte que habla de la vida a traves del cuerpo, y del riesgo, del dolor, la confusión, la ruptura de esquemas.

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  2. UN APUNTE, ME GUSTARÍA QUE AÑADIERAIS AL COMENTARIO UNA PREGUNTA PARA OPPENHEIM... POR SI LEE NUESTRO BLOG

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  3. Denis Oppenheim: su forma de pensar es como él construye, y siente. Su arte de Tierra fue un Arte para encontrarse con las sensaciones directas,sin un público que lo motivara. Sus intenciones eran vivir un proceso desde su comienzo a su evolución o su final, si lo tiene. .El me parece muy poético y muy coherente con su búsqueda.No se queda estancado, sino que vive siempre desde el presente buscando nuevos caminos para su actual pensamiento. No necesita acumular objetos, o hacer sólo arte objetual o incluso quedarse sólo en arte conceptual. El mismo describía su trabajo del cuerpo como un conocerse más a si mismo.
    No es hacer para atesorar, para acumular. Sino renacer o caducar sin miedo. Pero conociendo su peligro, su seducción , su engache, y por ello Denis habla de paradoja, supongo porque el arte en sí mismo solo es un medio para llegar hasta otro lugar , otro estado de tí mismo,,,...es tú búsqueda.

    Eva

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  5. La verdad es que a mí también me embriagó la confusión al principio, sobre todo cuando el mismo corrigió el nombre del ciclo, sobre todo Eugeni parecía el mas confuso,...

    A partir de ahí me interesó mucho la honestidad con la que hablaba de su obra, de su trabajo de su vida.
    Me pareció que todo cobraba mucho sentido en el momento que hablaba del contexto de los movimientos artísticos, así que creo que es importante conocer no sólo la obra si no el artista y su tiempo.
    Si tuviera que hacerle una pregunta sería sobre el recorrido de su carrerra artística, ya que él mismo dijo que no fluís sino que era más bien movimientos inconexos, con que se quedaría de todo su trabajo.

    Raquel S

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  6. Puede que no sólo fuera cuestión de entender qué estaba diciendo Oppenheim con su obra, sino qué herramientas utilizaba para ello en un contexto determinado, en una época y lugar muy concretos.

    Su discurso no hacía aguas frente a las más variopintas preguntas aunque no recordase algunos detalles. Posiblemente, su larga trayectoria profesional y vital le permitan sortear a más de un incrédulo rematadamente preparado para la ocasión deseoso de las miradas del otro. Preparémonos!

    Y es artista mayor de 30 años con futuro!!

    Le preguntaría ¿te ha hecho/hace feliz el arte?

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  7. Personalmente, quedé un poco perplejo tras varios minutos de proyección, tal vez debido al ritmo de las imágenes o tal vez porque esperaba una mayor variación en su contenido, en cualquier caso estaba preparado para una larga charla acorde a las imágenes proyectadas.

    Sin embargo, y sin quitar valor al carácter pionero de esos primeros coletazos de arte conceptual lo que realmente me llamó la atención fue la persona que hay detrás de la obra. Dennis Oppenheim responde a lo que yo personalmente entiendo por un artista: alguien lleno de inquietudes, que no se conforma únicamente con padecerlas, si no que siente necesidad de manifestarlas y compartirlas, y sobre todo que tiene siempre el valor de admitir que va por un camino equivocado y es capaz de buscar una nueva vía.

    Tengo una gran dificultad de conectar con el arte conceptual, y personalmente la obra de Oppenheim no me habría transmitido gran cosa sin la ayuda de la ronda de preguntas y respuestas posterior. Me recordó que la idea que subyace tras una obra es a veces más importante que la obra en sí.

    Mi pregunta para Dennis Oppenheim , relacionada con su reflexión sobre el ritmo de la arquitectura hoy en día.

    -Comentaba que la arquitectura está arrastrando a mucha gente de las Bellas Artes que está cambiando la forma de entender los espacios, que incluyen de algún modo al espectador dentro de la obra y esta idea me parece en principio muy interesante. Pero al fin y al cabo los propios edificios desempeñan un papel meramente práctico o funcional (estoy pensando en caso de edificios oficiales o de tránsito obligado) , y la pregunta es:
    - ¿no puede llegar a ser algo impositivo el hecho de forzar al espectador a estar dentro de una obra de arte en la que en algunos casos puede incluso sentir rechazo?

    Santiago

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  8. Al principio yo también me desorienté un poco, quizás por la falta de conocimientos sobre los Encuentros de Pamplona o porque esperaba que la entrevista fuese a tener algo más que ver con los videos proyectados... O sencillamente porque la salida nos pillo a todos por sorpresa.

    He estado mirando mas cosas de Oppenheim y la verdad es que tiene cosas bastante interesantes, y bastante diferentes a los vídeos que vimos el otro día aunque conserva ese juego de mezclar 2 cosas diferentes de un modo confuso como las uñas y los dientes.

    También me parece interesante su postura de que la obra de arte no deba ceñirse a un papel o un lienzo... si no que los límites del arte son mucho mas amplios.

    -¿Cómo conoció o se decidió a utilizar un lenguaje diferente al que estaba tradicionalmente estipulado?

    Alicia Vence

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  9. Me puse nerviosa porque los videos duraban demasiado(dos minutos pueden ser demasiado),me dio mucha grima en el que se limaba la uña, y el que más me gustó fue el de fusión ya que fue el único en el que ocurría más de una acción, y en el que la pintura estaba de por medio. Entendí que la duración no era importante ya que no se tenía en cuenta un espectador, sino que se trataba de un experimento personal para el artista, ya que no quería que fuese teatral. Aun asi yo hubiera cortado antes...

    Si no hubiese existido la charla, con el artista en vivo, no hubiesee sido tan interesante.Me pareció muy correcto cuando habló de fotografía y arquitectura, y de hacer muchas cosas a la vez. También fue muy sincero cuando decía que no se acordaba de Pamplona.

    Mi pregunta:
    ¿Por qué elegiste esos dos minutos de una hora o una hora y media que tenias grabada? ¿Qué es lo que ocurría en este tiempo?

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  10. ¿Qué le preguntaria al artista?

    le preguntaria si, analizando su trayectoria, se siente satisfecho de cómo abordó las inquietudes artísticas que planteó cuando concibió estos videos o si considera que se dejó llevar por cierta frivolidad generada por el deseo tan necesario del que habló, de ser transgresor e innovador a toda costa en todo momento. (porque considero que a quien intenta ser honesto facilmente se le puede tachar de sensacionalista, morboso, rarito...)

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  11. MARIO LEAL
    Todavía no sé muy bien que conclusión extraer de las palabras de Denis Oppenheim, por un lado pienso que es una figura respetable en lo que ya es parte de la historia del arte del siglo XX, por eso me asombra que admitiera sin pudor reflexiones con implicaciones tan peligrosas como las que manifestó: "el body art era real, no había actuación".
    No me importa tanto el hecho de que manifestara que no existía un guión fijo a la hora de exponer su cuerpo ante la cámara, porque pienso que aunque no había guión si había una metodología de trabajo, que me parece que es lo más importante; pues aunque no sabía cómo iba a hacerlo, si sabía qué iba hacer… lo que si creo que es peligroso es pensar que la propia documentación visual que realizó de todas aquellas investigaciones en torno al cuerpo, tenía capacidad por si misma para invocar lo real..
    Y, mi pregunta para D.Oppenheim es la siguiente:
    ¿de qué modo y hasta qué punto cree usted en la capacidad del arte como herramienta de transformación social? ¿piensa que algo así es posible?

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  12. En la película "The Dreamers" decía Matthew, uno de los personajes principales, que los amantes del cine se sentaban en las primeras butacas del cine para que les llegaran las imágenes antes que a nadie, cuando aún estaban frescas.
    Olvidé las gafas en casa y me senté en primera fila. El artista, sentado en un taburete, miraba a un punto circular inexistente en la pared, absorto supongo, en la conversación que tenía consigo mismo. Sus manos me recordaron a las de mi abuelo y pensé en el puente de luz que estaba abriendo para acercarnos a su pasado, cuando más o menos tendría nuestra edad, y el presente. Más que datos o fechas concretas, noté el brillo de juventud en sus ojos oscuros y profundos.
    Cuando ves la Obra de un artista, y luego le ves a él, se notan trompicones. Pero había algo en su persona que se mantenía constante desde entonces, desde los videos, no sabría decir el qué.

    Señor Oppenheim, si la piel del hombre es la superficie del Arte, y sus entrañas, donde se esconde el misterio del Arte, ¿destruiría la Obra de Arte, abriría la piel, para conocer su misterio?

    Elena Castellano

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  13. Nunca había visto a un artista famoso (al menos que yo sepa) tan de cerca.
    No sé si hay alguna grabación de la charla, la busqué pero no la he encontrado.
    El evento aparece mencionado en: http://www.revistadearte.com/2010/01/13/el-artista-dennis-oppenheim-conversa-con-eugeni-bonet-en-el-museo-reina-sofia/

    Ahora sí, empecemos:
    Me llamó la atención su gran capacidad de desenvoltura ante muchas de las preguntas que se le hicieron tras la proyección de los videos(no pude entender el sentido de estas preguntas y no sé si lo haría Dennis, pero parece que siempre tuvo alguna respuesta con alguna historia que contar(pues evidentemente es una persona que ha vivido intensamente), yo creo que prefabricaada debido a que a veces el discurso se alejaba del tema de la pregunta formulada, por lo que el sentido de la conferencia en cierto modo se pierde, sin embargo parece que lo importante es que la conferencia se dé y veamos al artista hablar, que para eso se ha hecho sus horas en avión, tal vez me equivoco, ¿O no?.

    Otra cosilla y la pregunta que le haría a Dennis: Si se supone que la panacea de muchos de nosotros, estudiantes de Bellas Artes, sería la de estar en su lugar, es decir,
    libres de vivir de nuestra obra y que seamos reconocidos por ello, me gustaría saber hasta qué punto es eso cierto hoy en nuestra civilización: Lo que le preguntaría es si se siente o no libre, si está condicionado por la industria del arte en aquéllo que crea y en qué porcentaje aproximado...

    Es sólo curiosidad.
    Lorena Rivero Guerra

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  14. Personalmente me ha parecido una buena experiencia. Dennis Oppenheim al principio me intimidaba un poco al ser un artista consagrado pero cuando habló con tanta franqueza sobre sí mismo, sobre sus inseguridades y sobre que los artistas como él también pueden cambiar de prioridades me hizo creer que el arte podía ser más cercano y humano de lo que pensaba que era. El artista “no sigue un flujo continuo” y menos el que hace bodyart, dijo, algunos de sus amigos seguían con este tipo de expresión artística pero él lo había dejado, y es bueno saber que durante la vida puedes fácilmente fluctuar y cambiar de corriente artística sin tener que resultar algo malo.
    En vez de una pregunta solicito una aclaración ya que Dennis se contradijo en una cosa, o tal vez le entendí mal. Comentó que era genial no tener en cuenta al público cuando hacías bodyart pero también dijo que el público era un consuelo que era difícil hacer cosas importantes sin él, y que si te callas las cosas es “perverso”. El artista quería que se viera su videoarte, aunque lo hiciese a solas. Afirmaba que de haber tenido público el resultado hubiera sido diferente y no habría tanta incertidumbre de a dónde te iban a llevar tus acciones durante la obra o performance que tendrías que medir de manera clínica, sin sentimientos y sin ese consuelo de los espectadores. Pienso que quería decir que pese a que es más sencillo realizar para ti, siempre quieres que el mundo vea tu obra porque si no estás siendo perverso, estás siendo cruel con tu arte y contigo mismo más que con el público.
    Por otro lado, con respecto al tema de la arquitectura, yo creo que sí es posible cambiar el ánimo de la gente que entra en un determinado espacio. Los colores, las formas, los tamaños pueden afectarnos más o menos según nuestra mentalidad.

    Lara Rull López

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  16. Voz madura y grave que se permite pausas serenas entre palabra y palabra. Carisma que declara una experiencia de la que no se arrepiente. Una entrevista con Dennis Oppenheim, “This Is My Roof”. Estar bajo el tejado de este artista no me ha dejado indiferente. Aunque no fuese la primera vez que colocase el tejado en el suelo, para mí, fue la primera vez en la que resultaba accesible. Y aun así, no me atreví a preguntarle nada cuando le tenía delante.
    Fue interesante observar al artista joven enfrentándose a la experimentación inquieta y cruda y a este señor tranquilo que parece haber culminado sus mayores inquietudes. Mientras la sociedad española, al menos, todavía se confunde descifrando códigos donde la implicación, la participación por parte del artista y el público y la experiencia directa e inmediata con la realidad enmarcan el lenguaje de la obra de arte, Dennis Oppenheim, conoce este terreno desde hace ya cincuenta años. Me llama la atención que, a pesar de la presente y lenta asimilación del arte conceptual por parte del receptor, Oppenheim no sea más explicativo con lo que supone y conlleva una ruptura de estructuras mentales tan grande en la sociedad.
    Es por ello que mí pregunta al artista sería:
    Habiendo sido uno de los miembros activos de lo que supone un paso tan grande en la Historia del Arte, sabría usted decir si el hecho de empezar a realizar una actividad artística tan rompedora fue reflejo de unas exigencias del contexto social, político y económico del momento, o un resultado de un movimiento más intuitivo y de empatía con el resto de artistas empujado por un fuerte entusiasmo hacia la experimentación, sin ser conscientes de que podía suponer una amplitud en el campo cognitivo de los miembros de la sociedad del momento?
    Por otro lado también me llamó la atención como Oppenheim comparó su obra reciente con la de sus inicios: “El trabajo que hago ahora no es tan avanzado como el que solía hacer antes”, pero además también añade: “Los trabajos del principio, como la serie de videos que se ha proyectado, arraigan de las formas de arte más tradicionales, así como la pintura y la escultura. Por ejemplo “Rocked Stomached”, tiene una alusión a la escultura, a la acción de romper la piedra”. Es por ello que me gustaría preguntarle también lo siguiente:
    De forma aproximada, ¿Qué porcentaje de conocimiento y aprendizaje de técnicas artísticas tradicionales cree que sería el necesario, el justo para llegar a una educación acertada en el arte?
    Andrea Zavala Folache

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  17. Saludos! la verdad es que me sentí bastante desconcertado durante la proyección de los videos. Gracias a la posterior entrevista pude entender la necesidad de Dennis Oppenheim de ir más allá de lás técnicas habituales de creación artística, no sólo para transgredir y traspasar límites establecidos sino también como búsqueda de un método propio ajustado a inquietudes legítimas.
    La muestra videográfica mostrada formó parte del comienzo de un estilo de arte conceptual (que sigue empleándose hoy día) que en un principio no aseguraba su alcance y repercusión. Por esto considero que en el inicio se trabajó de un modo experimental, a pesar de las palabras de Dennis que lo negaban.
    Mi pregunta sería: Siempre que pienso en algo experimental creo que se trata de algo nuevo que empieza a crecer. Con su trabajo se estaba fraguando una nueva forma de trabajo ¿Por qué no lo considera experimental?

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  18. Me llevo preguntando desde el encuentro con Oppenheim qué pasa para que un artista con su trayectoria admita que su obra actual no es tan innovadora como la que hacía entonces.¿Qué podemos esperar entonces nosotros como alumnos de Bellas Artes de nuestra obra, y por qué él, que innovó, no supo hacerlo a lo largo del tiempo?¿dónde acaba el "carácter" del artista y dónde empieza su entorno?¿fue realmente importante el hecho vanguardista o el entorno concreto del momento?¿si se dieran cuestiones socio-político-culturales como las de entonces tendríamos una regresión "objetual"?
    La sensación rara que me queda está relacionada con el espacio-tiempo... y le preguntaría, ¿es el hecho de que la innovación en la arquitectura sea más evidente hoy que en el arte, lo que pone a esta disciplina en el punto conceptual donde había estado lo puramente artístico?¿se ha pasado la frontera dimensional que separaba al espectador de la obra y la arquitectura se acerca a la necesidad de regenerar la relación de las personas con la obra?

    ALBA M MONTERO

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  19. Dennis Oppenheim.
    Siendo el video una herramienta más, un medio para documentar el proceso de investigación,(no era video, era escultura conceptual), la performance otra herramienta, la escultura, la arquitectura…
    Las herramientas, los códigos de lenguaje usados por un artista con una función, ¿fomentar pensamiento crítico?. ¿Debería estar su uso determinado por las necesidades formales de la obra? Quiero decir, usar un medio, por algo en concreto, porque sea un mecanismo más, porque su uso en concreto sea otra herramienta necesaria en la construcción de un obra que “funciona”.
    Pero, ¿no hay ciertos medios que al ser usados en determinados contextos históricos y culturales elevan la obra y funcionan como concepto? ¿El body art?
    Dijo que ahora trabaja con la arquitectura, que veía el futuro ahí. ¿Qué aporta ese medio a la construcción de su discurso y por qué? Igual estoy a tiempo de cambiarme de carrera…
    En el arte contemporáneo vemos discursos, que explican el por qué de que un medio se quede obsoleto y cómo un artista tiene que ser consecuente con su momento históricosociocultural, pero no entiendo muy bien por qué hay que dejar atrás medios que parece que muchos artistas conceptuales contemporáneos siguen usando como herramienta para trasmitir su discurso. Supongo que hay muchas cosas que no me quedan todavía claras.

    Laura Sánchez

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  20. Parte 1
    Valoro como muy interesante el encuentro. Es una nueva manera de conocer al artista y su obra. De conocer la opinión personal de una persona que se dedica profesionalmente al arte, del arte actual y de los caminos que está tomando. Es un medio de conocer propuestas, pensamientos y de reflexionar sobre cuestiones en las que no habías reparado antes. Una manera de abrir nuevos horizontes. Creo que este tipo encuentros pueden ayudarnos a conocer al artista de una manera más cercana, algo muy importante, algo que está más cerca de la educación que siguen algunas escuelas de arte del norte de Europa. Ya que no podemos ir al estudio del artista, no se pueden perder oportunidades como esta.

    La “charla” fue muy aclaradora y a la vez generadora de nuevas dudas. Lo que más me llamo la atención es cómo Oppenheim hablaba de su propio trabajo, son sinceridad y humildad, sabiendo de lo que estaba hablando, realmente me pareció algo de lo que aprender.

    Y me surgieron un montón de cuestiones. La economía fluctúa, la tecnología avanza a pasos agigantados, la ciencia innova, el mundo cambia a la velocidad de los segundos que marca mi reloj digital. ¿ A qué velocidad marcha el arte?, ¿Nos hemos quedado atrás?, ¿Cómo saber si lo que hacemos está siendo contemporáneo?, ¿Hay que ser contemporáneo?. ¿Todo esto tiene que ver con las nuevas formas de socialización?, ¿no es el arte al fin y al cabo una divisa más?, ¿qué es lo que se está demandando ahora? ¿se pueden hacer obras muy distintas a la vez?, ¿es legítimo hacer esto, no tener un estilo determinado?, ¿tu trabajo tiene que ser nuevo?, pero, lo radical tiene su caducidad, todo se rige por modas, por exigencias estéticas del momento, del contexto sociocultural, de las necesidades, de las demandas.

    ¿cómo conquistar o simplemente, cómo entrar en la corriente del arte?, ¿cuál de todas? ¿realmente a todos los artistas les interesa ser arrastrados por ella?, ¿si no estás dentro, realmente estás discriminado?, ¿por quién?

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  21. Parte 2
    Creo que a estas preguntas se podrían contestar tantas cosas diferentes como personas que se dedican al arte existen. Pero la idea que comentó Oppenheim del espacio expositivo impreso, y esto no es nada de ahora, me hizo pensar que a veces hay que detenerse y mirar hacia atrás. Quizá lo actual ya lo dejamos atrás, depende de la velocidad con la que observemos el mundo. Creo que estamos obsesionados con el resultado y hemos olvidado los procesos, la investigación, vamos, lo que vimos y nos estuvo contando Oppenheim, en esto es en lo que se basaba buena parte de su trabajo. Él no trabajaba con una idea preconcebida del fin que tenían sus acciones (o eso es lo que le entendí), todo, hasta el resultado, dependían directamente de la dirección que iba tomando el proceso. Esto le daba una libertad absoluta para experimentar y creo que esta es la única manera de encontrar lo que algo nuevo.

    Otra cosa que me interesó fue lo que comentó a cerca de la dirección que está tomando el arte. Este tiene que incluir a las personas y por eso camina hacia la arquitectura, porque se quiere relacionar a las personas con el espacio con el que conviven. Creí entender que se está tomando esta dirección porque existen fronteras entre las personas y el espacio en el que se interrelacionan. Creo que el nexo de unión de todo esto es el diseño. De hecho, cada día creo más que el diseño es el lazo de unión de todas las cosas que conviven en este mundo. Una visión estético-funcional (algo muy parecido a lo que hace la naturaleza). Pero entonces, ¿la dirección que está tomando el arte es hacia la funcionalidad más que hacia la arquitectura?
    Mis preguntas a Oppenheim serían: Usted dice que: “Funcionan mejor obras radicales nuevas, no sé como se hace eso, pero es mejor que hacer obra de arte tradicional”, ¿entonces usted ahora hace obra de arte tradicional porque no sabe o no se le ocurre hacer nada “radical”? ¿o es qué hacer arte tradicional ahora, es radical?

    Dice que las artes aplicadas están jugando un papel importante y ahora se encuentras en paralelo o incluso por encima de las bellas artes. Esto quiere decir que ¿se piensa en que el arte tenga una “utilidad” como objeto?. ¿pero no había que huir del objeto?, su premisa no era “a más radical, más crítico y más conceptual, mejor”. ¿cómo se pueden unir estos dos conceptos?



    Ana Chinarro

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  22. Miguel Angel Fernández Velascolunes, 01 febrero, 2010

    Citas del folleto informativo:
    - "Contextualizar historicamente las obras individuales..."
    - "Las contradicciones que dejaron abiertas nos ayudan a explicar, en buena parte, los olvidos y distracciones por los que ha venido atravesando su recepción histórica"
    - "Tratar de reconstruir la historia... sobre lo que mostró durante la semana del 26 de junio al 3 de julio en Pamplona"
    - "Una selección representativa de piezas de épocas contribuye además a contextualizar históricamente las obras individuales"
    - "Intentar una interpretación por medio del testimonio de sus protagonistas y la opinión posterior de historiadores y críticos"

    VALORACIÓN PERSONAL
    La exposición intenta investigar, bajo un prisma histórico, la actividad artística; valorando la "opinión posterior de historiadores y críticos". Este enfoque limita la comprensión entre Oppenheim y Bonet, generando un diálogo vacio, sin dinamismo; que el artista intenta modificar para poder contestar, ya que es incapaz de interpretar los juicios de valor histórico sugeridos por Bonet.
    Un planteamiento expositivo fundamentado en el análisis de su metodología de trabajo hubiera sido mucho más enriquecedor; ofreciendo un escenario ideal para las reflexiones del artista.

    OPINIONES DE DENNIS OPPENHEIM
    1. Actividad del artista
    - "Cambiar constantemente el rumbo de mi obra... La crítica no lo entiende"
    - "Cada experiencia... única y personal"
    - "Cuando se es joven, no se siente seguridad en lo que uno está haciendo; pero lo valora, como personal y único"
    - "Todo artista quiere pensar que su manera de trabajar es totalmente personal, que no está influenciada por la de otros artistas..y los medios"
    - "Liberarme de la técnica artística..."
    2. Desarrollo del arte
    - "El Arte avanza...sería perverso ocultar los progresos personales"
    - " El video y la fotografía en aquella época, no estaban a la altura de la valoración actual"
    3. El arte y el público
    - "El espacio arquitectónico influye en el comportamiento de los individuos"
    - "(En relación a los ENCUENTROS DE PAMPLONA 1972) Mi arte era nuevo para aquella época..., estaba lleno de energía y excitación"
    4. Integración de las artes
    -"La escultura ha cedido su protagonismo a la arquitectura en el panorama actual de las artes"
    - Establece cuatro estamentos artísticos, que cita con carácter jerárquico:
    = Arquitectura
    = Bellas Artes
    = Artes decorativas (diseño)
    = Artesanía

    PREGUNTAS QUE FORMULARÍA A OPPENHEIM
    1. Arquitectura, Bellas Artes, Artes decorativas y Artesanía...¿Qué criterios establece para no integrar toda la actividad artística y establecer adenás una jerarquía?. Existen otras manifestaciones artísticas que no ha citado, como son: el Ballet, la Literatura, etc.
    2. ¿Que protagonismo otorga al público en su proceso de creación?
    3. ¿Liberarse de la técnica?. Podría admintir que el artista es incapaz de elaborar una técnia que se adapte a su modo de expresión e intente adaptar las existentes

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  23. Han pasado casi tres semanas desde que tuvimos la suerte de poder oír en persona las reflexiones de Dennis Oppenheim. En estos días, en los que no he tenido tiempo para pararme a reflexionar (y aún no lo tengo) hay un tema que no deja de darme vueltas en la cabeza, y es la afirmación que hizo Oppenheim, y que posteriormente reiteró tras la intervención de un asistente, que en las performances que realizaba no había representación y que todo lo que allí ocurría era espontáneo y “real”. Por más que intento pensar que Oppenheim sabe mucho más que yo sobre estos temas, no consigo estar de acuerdo con él. Aún intentando imaginar como sería ser un artista joven y con talento en ese gran momento de ebullición que fueron los 60 y los 70, y sabiendo que las diferencias sociales, culturales y políticas son tantas que el modo de ver y experimentar la realidad también lo debe ser….Incluso haciendo ese esfuerzo no me creo que en sus acciones no hubiera representación. Y no digo esto como una crítica. Me parece estupendo que fueran representaciones, porque de hecho no concibo que fueran otra cosa. Aunque en el momento de la grabación de los videos el artista se encontrara en soledad y con la duda de que estos fueran posteriormente exhibidos o no, incluso entonces seguiría existiendo un espectador de la obra que es el propio artista. El sujeto se convierte en autor de la obra y en la obra misma al trabajar con su cuerpo, pero además es también el espectador de lo que allí esta ocurriendo y por tanto, creo, que la existencia de un espectador ya condiciona la obra que esta teniendo lugar.

    Al margen de esta diferencia de opiniones con el Señor Oppenheim, del que no es necesario volver a recalcar su importancia histórica, de los videos que pudimos ver aquella tarde especialmente me ha dejado huella Tooth and Nail: el video en el que pintaba un diente y una uña con esmalte rojo. Pese a la calidad de todos los videos, este me llama especialmente la atención por plantearnos preguntas sobre los límites del cuerpo, como era su línea de trabajo general, y en concreto por hablar del uso estético de ciertas partes del cuerpo frente a otras, ya que esto tiene relación con mis intereses artísticos. ¡Que sensaciones tan diferentes experimentamos al ver pintar una uña y un diente! Una acción no nos provoca ningún rechazo, mientras la otra nos sorprende a priori y después hasta nos repugna. Ambas acciones podrían ser igual de absurdas o igual de comunes, solamente las distingue el hecho que sean o no un hábito social. La sociedad en la que vivimos es la que nos indica las utilidades de nuestras partes de cuerpo: que partes hay que mostrar y cuales no, cuales hay que destacar, cuales hay que embellecer, de cuales nos debemos avergonzar, etc. En definitiva es la sociedad la que crea los cuerpos, los nombra y normaliza. Y Oppenheim lo que hace, o lo que hacía, con sus trabajos es presentar un cuerpo sin límites, flexible en sus usos y abusos, un cuerpo que se sale de las normas sociales y que nos hace reflexionar sobre lo vacío de estas.

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  24. Ideas que llamaron mi atención en la charla de Dennis Opennheim:

    -Me gustó que fuera tan curioso y el modo en que evolucionó su trabajo. Cómo explicó los cambios que fue sufriendo a lo largo de su carrera, su búsqueda; y me llamó la atención que hay aspectos ,que se podría decir que se repiten (y se repetirán): la idea de el arte joven radical, el romper con algo nuevo. A su vez, cuando hablaba de la falsa originalidad de ese mismo arte joven, no es que no sea nuevo, pero lo que decía de que los jóvenes no reconocen sus influencias, que es una mentira , pero que en ese momento te hace sentir mejor. Creo que lo que nos falta es la perspectiva, que luego supongo se consigue con el tiempo.
    La otra idea, que podría ser como el otro camino que podría haber seguido este hombre pero que no hizo, del artista joven que crea algo nuevo y se dedica a ello toda su vida. Menos arriesgado (siempre que te funcione toda esa vida, si no , también tiene su riesgo).
    Se pueden establecer dos líneas de trabajo por lo que comentó. las dos empiezan con el artista joven radical que aporta obra nueva y fresca pero luego divergen. Uno es el que se acomoda con su descubrimiento y otro, donde entraría Oppenheim, que sigue buscando. El que se acomoda podría decir que él lo que hace es profundizar y el otro se queda a las puertas.
    Por lo que dijo, su trabajo tuvo que ver con la experimentación, la sinceridad, la reflexión, el conocerse a uno mismo. Pienso que ese anhelo de sinceridad y de reflexión sobre uno mismo, ese objetivo en su trabajo, es lo que hace que experimentase. En esa búsqueda de honestidad con su trabajo y consigo mismo está su búsqueda, el hacerse preguntas y no acomodarse; las puertas se abren. Eso lo admiro.
    Estas preguntas hacen que se sumerja en un concepto, en un modo de hacer arte hasta que lo exprime y agota . Así pasaba al siguiente, como lo que hablaba del body art y el riesgo, que llegó un punto que no podían continuar porque era real, no fingido, y algo adictivo; y en su afán de ir más allá se convirtió en arriesgado .

    -Que el sonido de su móvil sea el ladrido de un perro.

    -Mi pregunta para él: aunque alguien le preguntó sobre su trabajo actual, no se extendió mucho. Me gustaría que hubiera profundizado más sobre sus ideas sobre la arquitectura. Algo más que decir que es el futuro, más progresiva y que incluye a la gente.

    -También le preguntaría sobre la educación de los artistas, cómo cree que debería ser la formación, cómo fue la suya y cómo cree que le influyó o cómo la evalúa.

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