Sophie Calle habla de su obra

Bestsellers del arte

Gracias al blog de Jorge Luis Marzo, encuentro esta referencia impagable… Artista! ¿Por qué teniendo todo lo necesario para alcanzar el éxito, este parece no querer llegar nunca? Tú lo puedes conseguir con “Vivir del arte: Coach para artistas”. Mira el MAGNIFICO video promocional en http://www.vivirdelarte.com/

Esta tarde a las 19:30 hs en Traficantes de Sueños

Ya están colgadas las memorias de la primera parte del curso en el Campus Virtual, dentro de Documentos de clase, en una carpeta con ese nombre.

DANDO VUELTAS A LA PRODUCCIÓN CULTURAL
Este lunes 14 de febrero, a las 19:30 en TdS

Será un encuentro de gentes e iniciativas que trabajan de forma
crítica en y entorno a la producción cultural. Atravesadas por la
cultura, Kultur-o-Meter y los coordinadores de las Jornadas "Para
quienes disfrutamos trabajando" presentarán sus proyectos. Pero el
objeto del encuentro es sobre todo pulsar las ganas y posibilidades de
seguir creando dispositivos, investigaciones, redes y conflictos.

Si estás harta de que no te paguen o te paguen una miseria por lo que
haces; harta de que las instituciones fomenten un sistema de
subcontración que solo genera precariedad y vayan de modernos con "La
noche en blanco"; harta de la competencia "buenrollista" del sector
porque no quieres ser "la estrella" sino aportar desde donde estás.
Pásate!

**Traficantes de Sueños está en la C/Embajadores, 35, local 6 Lavapiés

Daniel Buren dixit

Daniel Buren:
"Pido que se preste mucha atención al contexto. A todos los contextos. A lo que permiten, a lo que rechazan, a lo que esconden, a lo que ponen de relieve. La realidad que ha vuelto de la tentación del ideal o del formalismo, también es cosa mía".

Rachel Whiteread dibuja (también)

¡qué bueno ver cómo trabajan otros artistas! ¡las cosas que cojen de la calle! ¡qué guardan en sus estudios! ¡las experiencias vividas! ¡lo que cuentan! Esta aproximación al dibujo de Rachel Whiteread es extraordinaria: un motivo más para empezar el 2011 apuntándose a clases de INGLÉS.

AI WEI en Nueva York

Recomenzamos el curso. Se hace necesario acopiar toda nuestra energía y focalizarla en el trabajo que tenemos en marcha: esta semana haremos recuento y estado de la cuestión de cada uno de los proyectos, en breves presentaciones. El 2011 trae consigo lecturas para discutir, películas para ver, documentos, pero sobre todo la concretar los proyectos en los que estáis trabajando actualmente y los futuros. Llevarlos a sus máximas consecuencias, sin concesiones. Hablaremos y analizaremos. Es preciso mucho ánimo, mucho entusiasmo en lo que uno hace. Tengo ganas de veros.

Christoph Schaefer

Estrategias anti-gentrificación en Hamburgo de la mano de Christoph Schaefer!!

Aunque es sábado, tenía que publicarlo

PREMIO | Galardón de Artes Plásticas

Sierra rechaza su premio Nacional de 30.000 euros al grito de ¡Salud y Libertad

Público segregado si sus ingresos son mayores de 1.000 euros. | S. S.

• 'El estado no somos todos. El estado son ustedes y sus amigos', afirma

Antonio Lucas | Madrid

Actualizado viernes 05/11/2010 16:31 horas

"Es mi deseo manifestar en este momento que el arte me ha otorgado una libertad a la que no estoy dispuesto a renunciar. Consecuentemente, mi sentido común me obliga a rechazar este premio". Es uno de los argumentos del artista Santiago Sierra para decir no al Premio Nacional de Artes Plásticas, dotado con 30.000 euros, que le fue concedido este jueves. "Según mi opinión", añade en una carta firmada que el artista publica en el blog 'Contraindicaciones', del que es colaborador, "los premios se conceden a quien ha realizado un servicio, como por ejemplo a un empleado del mes". [Vea imágenes de su obra]

Uno de sus trabajos. MÁS IMÁGENES

Sierra (Madrid, 1966) ha enviado esta misiva a la ministra de Cultura, Ángeles González Sinde, en la que afirma también que "este premio instrumentaliza en beneficio del Estado el prestigio del premiado. Un estado que pide a gritos legitimación ante un desacato sobre el mandato de trabajar por el bien común sin importar qué partido ocupe el puesto. Un estado que participa en guerras dementes alineado con un imperio criminal. Un estado que dona alegremente el dinero común a la banca. Un estado empeñado en el desmontaje del Estado de Bienestar en beneficio de una minoría internacional y local".
Con este gesto, Sierra se convierte en el primer artista que rechaza este galardón en sus más de 20 años de trayectoria. De algún modo, este gesto puede ser asimilado como una más de las acciones con las que el madrileño ha ido cimentando un discurso crítico que descree de la mecánica del poder con una poética sulfurosa que se convierte así en herramienta de combate y protesta desde el centro mismo de los maniqueísmos del sistema y el mercado.

Imagen de archivo del artista. | H. Hollemann

Y añade en su carta: "El estado no somos todos. El estado son ustedes y sus amigos. Por lo tanto, no me cuenten entre ellos, pues yo soy un artista serio. No señores, No, Global Tour". Para concluir, despide con un "¡Salud y libertad!" una misiva cuyo envío a la ministra han corroborado desde el Ministerio y fuentes cercanas al artista.
Entre las últimas creaciones de Santiago Sierra figuran: 'El Pasillo de la Casa del Pueblo' (Rumanía, Bucarest, 2005), '245 metros cúbicos' (Stommeln, Alemania, 2006), 'Los Castigados' (Fráncfort, Alemania, 2006) y 'Colección de Joyas' (Madrid, España, 2006). También escandalizó Londres con una exposición de excrementos, formada por "21 monolitos compactos de caca seca".

El Ministerio de Cultura expresa su sorpresa

Por su parte, el Ministerio de Cultura ha expresado su sorpresa ante el rechazo del Premio Nacional de Artes Plásticas por el artista y ha anunciado que tendrá que "estudiar" qué se hace en un caso como éste, el primero que se produce respecto al citado galardón.
Fuentes del Ministerio de Cultura han señalado a Europa Press que el jurado concedió el galardón por "mayoría" y que es "sorprendente" para ellos la actitud de Sierra, expuesta a través de una carta enviada por el artista a la ministra Ángeles González-Sinde y hecha pública en la tarde de este viernes. "Y es sorprendente sobre todo después de haber hablado con ella y de mostrarse superagradecido, igual que ha ocurrido con otros artistas que reciben un premio de esta naturaleza", han indicado.
Asimismo, las citadas fuentes recuerdan que en otras ocasiones Sierra "ha tenido colaboración del Gobierno de España, por ejemplo en la Bienal de Venecia, por eso sorprende su postura", insisten. "Vamos a ver qué pasa ahora porque hay una ley que cumplir en estos casos. Tendremos que ver qué se va a hacer", han apuntado.

otoño según Valcárcel Medina

El otoño despedaza al verano, armando un nuevo imaginario; pero eso vuelve a ocurrir, de forma parecida, tres meses más tarde aproximadamente, y así en lo sucesivo. ¡Qué bien si el arte se regenerara tan rápida y fielmente! Pero no, el arte requiere otro tipo de esfuerzo, es probable que menos auténtico, pero a cambio también menos automático. Así que, antes de suponer un espíritu decaído, se podría reconocer que lo que aquí se hace es aprovechar el cambio de estación (que es recurrente) para planear el cambio de arte (que es obligado siempre)… que es deseable ahora.
El museo comprende que no todas las estaciones son iguales, aunque todas retornen…; que no todas las voces suenan con la misma melodía, a pesar de que usen las mismas notas. También el museo parece haberse dado cuenta de que el ritmo de la estacionalidad natural aconseja montar manifestaciones de, también aproximadamente, tres meses de duración.
De modo que este otoño habría de ser, por idénticas razones, un tramo en el camino de nuestro arte ya tan gastado, ya tan sabido; pero, naturalmente, un tramo no consabido. De sobra nos consta que aunque ninguna alteración creativa –ya sea natural, ya sea cultural- garantiza el acierto o la permanencia, todas ellas aspiran a desbrozar el camino y a abonar el terreno. Estos últimos meses de 2010 son inexcusables; ellos por sí, aunque no más que cualesquiera otros. Tal vez las hojas secas que dejen en las cunetas no resulten tan fértiles; tal vez, como dice el poeta, nadie se dé cuenta del otoño, pero los artistas que intervienen en esta exposición habrán cumplido su papel mostrando que el arte no ha, por fuerza, de ser un discurrir sin saltos, sin sobresaltos.
He aquí, pues, un racimo de obras transparentes y de autores en fuga, lo cual no es otra cosa que el imaginado arte del momento y, a la vez, una especie de guía para conspicuos. La apariencia de proyecto museístico sin más que puede ofrecer este pequeño racimo no pretende confundir sobre la condición de testimonio que conservan los frutos que se ofrecen; más bien se trataría de saber en qué medida, una vez que se entra en la propuesta, se puede y se quiere salir de ella… seguir en ella.
Lo que se plantea es el asunto de la creación en un aspecto ajeno al habitual eufemismo, el cual esquiva llamar arte a lo que es sencilla y directa visión de la realidad. Pues bien, aquí se valora una modalidad del concepto (inabarcable de puro multiforme) de dimensión en el arte. Tan es así que las particulares extensiones de estos concretos espacios y maneras de arte no pasan de ser insinuaciones sobre acercamientos al mismo. Estos cuatro juegos de coordenadas pueden representar marcos necesarios, pero prescindibles encuadres…, diseños alusivos, pero no contabilidad cuadrada; pura circunstancia, en una palabra. La imagen postula: también así puede expresarse el arte de la constatación, pero no forzosamente así. ¡Estaría bueno! Por ello, el caballo de batalla de nuestra intentona se centra en saber que qué proporción estas manufacturas del otoño son arte exhibido en un lugar de exhibición.
Y como ha aparecido la palabra “marco”, de tan honda raigambre en esto del arte de uso, bien vendría el siguiente análisis: el marco que cobija la obra (o la peana, o la vitrina, en su caso), ¿a qué naturaleza corresponde, a la del arte o a la del ámbito constatable? Y más: ¿puede el ámbito hacerse arte?... porque lo que no cabe dudar es que no nos es dable prescindir del ámbito. Después de todo, algún arte de escaso uso fácilmente podría definirse como un modo, a ser posible ingenioso, de encajarse en el ambiente.
Resumiendo: este proyecto no señala directrices, no indica actuaciones; lo útil a partir de él a lo mejor sería precisar si las inercias pueden ser olvidadas o si, por desgracia, son lo único imperativo en el terreno del arte contemplado.

Isidoro Valcárcel Medina

Rirkrit Tiravanija en la Europea

Me ha llegado este anuncio: el próximo lunes 30 de marzo a las 12:30 horas en el Campus de Villaviciosa de Odón (Auditorio Edificio A, Calle Tajo, s/n. Urb. El Bosque) dará una conferencia Tiravanija (himself) acerca de su nuevo proyecto "The house the cat built". Esta ponencia está organizada por el Área de Arte de la universidad en colaboración con la Fundación ARQ ART y la galería Salvador Díaz de Madrid, en la que se presenta desde Febrero y hasta Julio la nueva obra del artista. "The house the cat built" es un proyecto consistente en la construcción, dentro del espacio de la Galería Salvador Díaz, de una réplica de la casa del artista en Tailandia, en cuyo interior se presentan obras de 14 artistas de reconocido prestigio internacional seleccionadas por el propio Tiravanija. El espacio de la exposición es a su vez sede de celebración de diversos eventos culturales.

Por si os apetece acercaros a verle.

La búsqueda de Fernando Baena

Este viernes Fernando Baena, merece la pena, es recomendable.

ANTHROPOFUNGO

Santiago Morilla

¿cómo te enfrentas a cada pieza?
Me enfrento con ilusión y respeto. Es cerámica.. es casi un ser vivo que late en su piel fría y fragmentada. Intento que no sea un mero soporte para mi obra sino que sea cada pieza la que me diga cómo, dónde y qué dibujar para dotarla de más significados.

¿qué unidad o vinculación tiene todas las piezas, ya que pertenecen a diferentes etapas creativas de Marre Moerel?
La unidad orgánica de la piezas de Marre converge perfectamente con mi línea creativa, que es también orgánica y muy cárnica en los seres que dibujo, en los animales que se hibridan con los objetos o en los personajes que se mezclan con las texturas.
Creo que de todas las etapas creativas de Marre hay también una vinculación ente el humor de las formas orgánicas y lo siniestro de la limpieza de una sala de operaciones de un hospital. Tanto en mi dibujo como en sus objetos se mezclan la limpieza y la suciedad, el ornamento de una piel humana o animal con la pureza de la forma industrial de un ojo iluminado, esto es: una lámpara.

¿qué crees que aportan como novedad?
Creo que aportan más personalidad en la unicidad que cada pieza ya tiene: ahora sus piezas miran, gimen y te dicen “What the fuck are you looking at?”

¿por qué el blanco y negro?
El blanco y negro acentúa el dramatismo de las expresiones... enfoca mejor la mirada...

ANTHROPOFUNGO
Inauguración| 5 de marzo 09 | 20:00horas
Fechas de exposición | 5 de marzo al 15 de abril 09
Marre Moerel Studio Design | calle Luna 19 noviciado

Anish Kapoor dixit (segunda parte)

Comencé a ver que mi preocupación residía en lo sublime, con la idea de un receso poético, un
momento de calma, un momento de silencio, que estaba allí en ese momento de oscuridad, en Void nr. 1. No estaba vacío, de laguna manera estaba lleno, preciado, de una forma diferente a las piezas anteriores. Esto me permitió un nuevo cuerpo de trabajo: qué se debe hacer para buscar la oscuridad. El trabajo que abarca esto de forma más conmovedora es Descent into the limbo (1992). El título viene del Cristo descendiendo al limbo de Mantenga. El descenso al limbo es una condición de la sublimidad poética. Describe el momento de una clase de ensueño que es condición de la pérdida de uno mismo, de autoabsorción en el esmalte de la oscuridad. Físicamente, Descent into the limbo es una habitación de seis por seis metro con un agüero en el suelo, hecho de tal manera que el agujero es absolutamente plano y rasante con la superficie del suelo. Algo como el espejo, presente aquí en la exposición. Está pintado en un azul muy oscuro. Hay una historia que yo siempre suelo contar cuando hago una instalación y cierro la puerta siempre hay una cola. Un hombre esperó en la cola cuarenta y cinco minutos y, después de su paciente espera, pudo entrar a la instalación. Estaba absolutamente furioso por haber esperado cuarenta y cinco minutos para ver una alfombra negra. No podía creer que fuese un
agujero. Para él era una alfombra negra. En mis términos, esto es un éxito absoluto. Esto prueba que mi proyecto no es sólo engañar al ojo,aunque pienso que es otro punto al que volver, sino llenar el vacío o hacer otra clase de vacío. Propone que el vacío no es tal vacío, que
nosotros como seres psicológicos y poéticos, portamos las nociones de vacío en nosotros, que
la proximidad de un vasto y oscuro vacío es algo psicológicamente insoportable.
Lo sublime, aunque es una noción de una clase de ensueño, es también una noción de peligro.
Cuando observamos la pintura de Caspar David Friedrich nosotros compartimos el ensueño de
otro. Hay una pequeña figura observando la puesta de sol; nosotros, poéticamente, participamos de su sueño. Mi proyecto es hacer más corta esa distancia, hacerlo posible
sintiendo el absoluto del ensueño, hacerlo lo más palpable posible.
He trabajado con la oscuridad un número de años, y no digo azul, sino oscuridad, porque pienso que eso es lo que es. Sólo sucede que el azul crea una oscuridad más densa que el negro, porque nosotros no vemos el color enteramente con nuestros ojos. Los ojos son instrumentos intelectuales, los que nos permiten percibir los colores con nuestras mentes.
Desde la mirada absorta, hacia la idea de la pérdida del ser, empecé a preocuparme de si lo opuesto era posible. ¿Es posible retornar a la mirada y seguir aún tratando con lo sublime? La
idea de la mirada retornada, o del autorreflejo: la inclusión es con lo que la siguiente exposición tiene que ver. Espejos vacíos que hacen algo semejante a los objetos oscuros. Ambos parecen no permitir el vacío. Como puede verse aquí, estas formas vacías no lo están realmente. Si el sublime tradicional u oscuro enlaza con el profundo espacio más allá del plano pictórico, el espejo o sublime moderno trabaja con un espacio diferente, uno que está frente al plano pictórico. Trabajo para ver dónde me llevará esto.

Anish Kapoor dixit (primera parte)

Empezaré por hablar de algunas cosas que son importantes para mí. Lo primero que me gustaría decir es que no tengo nada que expresar como artista. Es parte de mis preocupaciones el dejar claro que no trato de expresar nada. Esto no tiene que ver con la expresión. Continuaré negando algunas cosas más. No estoy interesado en la composición; no busco yuxtaponer, dentro de una composición, unos elementos a otros. Lo que busco son condiciones del ser, condiciones de la materia, allí donde las cosas son estados puros. Esto es como decir que si estoy haciendo algo en rojo, lo que busco es que lo rojo sea lo mismo que la humedad, la dureza o la sequedad. Lo que esto me deja como artista aparentemente es muy poco. Ir al estudio con la determinación de no expresarme me fuerza a un proceso de vaciado, y éste es el proceso en el que estoy interesado. El trabajo que yo hacía hace quince años empezó quizá en otro sitio. Buscaba grupos de objetos que funcionasen juntos. Éstos parecían contener un espacio, un espacio interior. Estoy hablando de los trabajos que yo realizaba en el 78 ó 79 y durante la mitad de los 80, la mayoría con pigmento. Su cualidad inmanente era lo que me preocupaba.
Lo que sucedió lentamente es que el espacio contenido entre los objetos comenzó a desplazarse hacia el interior y los objetos se convirtieron en vacíos. Hoy el vacío es una noción especialmente en el país en el que yo trabajo, que inmediatamente conecta con Henry Moore. Quisiera significar que Henry Moore hacía objetos que tenían agujeros que parecían ser golpeados a través de los otros hacia el otro lado, permitiendo un espacio a través del objeto. Ésta no es mi preocupación. Aquello conlo que yo trato es el negativo, en cierto sentido, sin el positivo. El no objeto. Estoy en busca de la piel, la superficie, si le parece, que de alguna manera describe el espacio interior, casi sin describir el espacio exterior. Esto es cuestionar la noción de lo que es un objeto destacando algo que yo llamo el objeto incierto. Si la interioridad es algo que no puede ser descrito, los objetos de interioridad son esos “no-objetos”. Es el opuesto a Brancusi; no es el hacer la forma sino el hacer la “no-forma”.
Comencé con las piezas de pigmento y empecé por hablar de la idea de forma, forma desplazándose hacia el interior. Ahora empiezo a descubrir que la interioridad que yo buscaba
era una condición de la oscuridad. Comencé por hacer las primeras formas vacías (“hollow forms”). Necesitaba que el espacio interior de los objetos jugase un papel particular en el color. El azul oscuro que usaba no describía la forma, parecía llegar la forma. La forma parecía ser XXXXX en la oscuridad del color y, curiosamente, el espacio semejaba llenarse –el objeto vacío parecía lleno. Emocionadamente, vaciarse equivale a llenarse.

¡Sí, hay lugar! (un largo viaje para cuestionar fronteras)

I. DIEZ REGLAS DE BASE
Poema escrito en colaboración con Loïc Touzé en el mes de julio de 1998. Estas
reglas fueron comentadas y analizadas por el equipo en el mes de Septiembre.
Si hubiera lugar:
1. Emigrar para cambiar de leyes. Cambiar también de rostro, de pregunta, de gesto. Cruzar la línea. Si hubiera lugar : cruzar la frontera. Reconocer su campo.
Esperar un momento: ver el horizonte.
2. Construir para destruir para sembrar. Dejarse invadir por hierbas raras. Arrancar, tallar, injertar. Esperar un momento : ver crecer.
3. Mirar y escuchar. Si hubiera lugar : traicionar inventando un código para la traición cara a cara.
4. Impedir para acompañar; sujetar para soltar. Evolucionar sin huir.
5. Escuchar y pensar a velocidades diferentes. Atenerse a las consecuencias.
6. Dejar que las imágenes vengan. Si ellas no llegan...inventarlas, desconfiar, reconocer las trampas. Si hubiera lugar: caer sin hacerse mucho daño.
7. Observar lo que ata, lo qu sujeta, lo que mantiene...
8. Si hay lugar: escapar.
9. Si hubiera lugar: creer en la distancia. Sentir el aliento.
10.

Francisco Ruiz de Infante

la entrada pragmática y un añadido (o al revés)

Algunas fechas-referencia con las que trabajar de aquí en adelante

Presentaciones en clase de los grupos:

Jueves 22 de enero:

- Helena y Rebeca
- Julia y Blanca
- Diego y Ana María
- Gracia y Ana
- Sergio y Gonzalo

Viernes 23 de enero:

- Teresa y Arnau
- Lucio, Marta y Matilde
- Mateo y Leticia
- Irene y Sole
- Raquel y Ana

Jueves 29 de enero:

- Queralt y José Luis
- Julio
- Adrián y Manuel María
- Claudia y Livia
- María y Carmen

• Envío (por correo electrónico) del documento marco del segundo proyecto (debe incluir secuenciación, marco conceptual y proceso a desarrollar así como las referencias artísticas con las que os relacionáis).
• La asistencia y participación en las presentaciones de los compañeros es obligatoria y la evaluaré.

30 de enero: festivo. Santo Tomás de Aquino.

Jueves 5 de febrero: Tutorías evaluando el primer proyecto y discutiendo el segundo (pondré en el tablón un horario para que os apuntéis).
Viernes 6 de febrero: Tutorías evaluando el primer proyecto y discutiendo el segundo y Salida-visita (obligatoria de nuevo, salida de campo) a la exposición de Pepe Buitrago en EFTI y asistencia a la conferencia del artista.

Febrero y Marzo: trabajando en el segundo proyecto.

19, 20, 26 y 27 de Marzo: presentación en clase del segundo proyecto. Tendré en cuenta el orden de exposición del primer proyecto y será INVERSO.

Asier Mendizabal: Mayor que una secta, menor que una masa

Asier Mendizabal (Ordizia, 1973) presentó la primavera pasada en el Museo de Arte Contemporáneo de Barcelona (Macba) el repaso a una década de trabajo, el comisario, Peio Aguirre, prefiere no denominarla retrospectiva, sino prospectiva: una veintena de piezas independientes que, gracias al montaje, conforman una especie de mapa de las ideas de Mendizábal. En la fantástica biblioteca de nuestra Facultad podréis leer el catálogo de esta exposición (también de la de Robert Filliou). Mendizabal habla de su trabajo en estos términos (en 3 páginas y un poquito es capaz de hacer referencias de toda índole a su trabajo) y me parece importante que lo tengáis en cuenta de cara a la entrega que debéis hacer próximamente:

Mayor que una secta, menor que una masa
Asier Mendizabal

Trescientos cincuenta muertos en una avalancha humana en el Hajj, la peregrinación a La Meca. Contesta, a la pregunta de si se tomaron todas las medidas oportunas ante la concentración anual de tres millones de personas, un experto en dinámica de masas. Lo único que a M le queda anotado tras escuchar esa noticia en la radio es ese personaje: experto en dinámica de masas. Implica una predictibilidad en los movimientos de la multitud realmente aterradora. «Se había construido un muro de contención», sigue el experto «con el fin de dividir y dirigir la fuerza de la corriente en dos corredores de flujo más controlable»; –con voz nasal, pausada, «el que muchos de los peregrinos llevaran su equipaje a cuestas, un factor imprevisto, ha podido generar el primer bloqueo, de hecho no puede haber sido una estampida en el sentido de que la aceleración de los elementos haya precipitado el desbordamiento del flujo, sino que, más bien, ha sido un colapso, de fuerza constante.» La voz nasal es, quizá, por culpa de la conexión telefónica. no se corresponde con la atenta dicción con la que se explica, casi con el entusiasmo de quien busca las palabras para describir, en tiempo real, un fenómeno astronómico. En ningún momento interviene en la interpretación del fenómeno el hecho de que los tres millones de personas arrojaban piedras contra unas columnas que simbolizan a satán en cumplimiento de un mandato religioso. Dinámica de flujos. M apaga la radio y vuelve a sentarse frente al ordenador. Parpadea en pantalla un documento en blanco, casi en blanco, con un título provisional: «mayor que una secta, menor que una masa». Lleva dos días ahí. Estaba ahí un día y medio antes de que trescientos peregrinos muriesen aplastados por la fuerza de su propia convicción, empujando con fuerza constante. Es una cita que ha robado de un texto de Bob Christgau sobre el punk. «Avant-Punk», de 1977. Ha separado el fragmento de la frase completa, que da cuenta, con elocuencia ajustada, de la forma del colectivo en la subcultura juvenil. Es algo de lo que él lleva tiempo hablando, y le avergüenza no haber encontrado él mismo esa frase antes. Por eso la ha separado de su contexto, confiando en su calidad enigmática como título.

Ahora imagina la frase leída por el experto en flujos de masas y le da pavor. M no recuerda haber sentido la angustia, esa claustrofobia que se les supone a las situaciones de masa. Y recuerda muy bien haber estado en medio de casos de estampida que serían el sueño húmedo del experto de la radio. La forma en que una masa se dispersa (y no hay situación alguna a la que la palabra dispersar pertenezca más) cuando comienza una carga policial. La anticipación crea un tenso tejido uniendo el poco espacio que separa a los individuos, y los prepara para, al primer disparo, seguir un impulso autónomo pero armónico que dibuja complejísimos flujos dentro del caudal que desaparece en segundos, sin atropellos. ¿Harán los expertos en flujos de masas experimentos a escala real? Le gusta la idea. Recuerda haber leído una crónica muy exhaustiva en la que se describía un entrenamiento de la brigada antidisturbios de un cuerpo policial. La camaradería inevitable en la escenificación del juego. Treinta contra veinte. Todos con capuchas. La atención que el cronista ponía en el detalle de que las botellas incendiarias estaban envueltas en bolsas de plástico, para aumentar su potencia, parecía contener un aviso a navegantes. Una observación que alguien podría encontrar útil. En cualquier caso, un detalle que recreaba el realismo de ejercicio. en la Meca también estaban tirando piedras. Hay un norris Johnson que debió de ser algo parecido a este experto en dinámicas de las multitudes. Es el autor de una de las más influyentes investigaciones prácticas de fenómenos de estampida humana, y aún se cita su estudio del caso riverfront coliseum como refutación de la hasta entonces canónica idea de gustave le bon que, sin revisar desde el siglo xix, apuntalaba el mito de la influenciabilidad de las masas «sujetas a una fuerza hipnótica». (Le Bon, en su tratado de 1895, Psicología de las masas, se esforzó en alertar de los peligros del que sería el gran fenómeno del siglo xx, y de paso recelar de la democracia como sistema influenciable por la arbitrariedad de la multitud. Monárquico como era, probablemente la desazón por los hechos que terminaron en la comuna de París en 1871 le impulsó a hacer el diagnóstico de esa nueva multitud como el reverso temible del concepto de pueblo. Si en la tradición hobbesiana el pueblo es la multitud que se ha dotado de la ley, que admite obedecer para que todos obedezcan, la masa que se anticipaba en la comuna solo podía ser criminal. Eso sí, inevitablemente criminal: «Algunos actos de las masas –decía–, son seguramente criminales si se les considera en sí mismos, pero como lo es el acto de un tigre que devora a un hindú tras haberle hecho despedazar primero por sus cachorros para distraerlos.») Johnson eligió investigar, como caso de estudio que refutara estos tópicos, la estampida que en diciembre de 1979, en el riverfront coliseum de ohio, mató a once fans de the Who, que entraban corriendo en el recinto del concierto. Fans, rock and roll y «fuerzas hipnóticas» es una combinación que parece casar bastante bien con esa preconcepción de la masa idiotizada; sin embargo el estudio determina que los comportamientos no son adscribibles a toda la masa, como unidad, sino a pequeños grupos independientes dentro de ella, que además, en este caso, provocaron el colapso intentando ayudarse unos a otros. También allí, en ese momento, había un experto en dinámicas de masa. Decretó que la mejor forma de evitar males mayores por una eventual suspensión del acto, era ocultar las muertes a los componentes de the Who, que no supieron de lo ocurrido hasta terminar el concierto. A M le hace gracia el dato. También sonny barger, el jefe de los hells Angels división san francisco debió de pensar en lo mismo en Altamont. Él era lo más parecido al responsable de la seguridad del concierto que se había encargado a los Angels para el evento gratuito en el que los Rolling Stones querían reunir una multitud de dimensiones suficientes para reclamar un lugar como evento generacional en la lógica de Woodstock o Monterrey. Cuando Keith Richards, más o menos consciente de que el caos agresivo en que había devenido la multitud allí reunida había costado ya la vida de una persona a manos de unos Angels incontrolables, amenazó con dejar de tocar si estos no se calmaban, Barger, según repite él mismo entre risas a todo el que le quiera escuchar, le puso una pistola entre las costillas. «Y no veas lo bien que tocó el cabrón.» El término genérico utilizado en inglés tanto para la seguridad en eventos como para la represión de disturbios es crowd control. Mayor que una secta, menor que una masa –se ha puesto por fin a escribir M– sería quizá el momento de la formación de multitud que Elias canetti llamaba «muta», la banda, la partida de caza, el piquete. Una pequeña multitud que se rige por un inevitable impulso interno de crecer en número, pero que en cuanto logra su expansión desaparece como tal, se convierte en masa, cristaliza. La masa es susceptible de representaciones unitarias, válidas a la vez para la totalidad de la multitud y para cada uno de sus integrantes. Pero es esta misma representabilidad la que hace que se diluya todo el potencial informe en que en un momento mágico, siempre demasiado tarde y siempre demasiado pronto, toda la fuerza de la unión informe se despliega. La potentia de la producción inevitablemente generando su contrario, la potestas de la reproducción. Ese es el momento revolucionario irrepresentable, el que solo adquiere una imagen en retrospectiva, cuando en un segundo momento se formaliza; cuando ya ha sucumbido a su propia lógica de aparecer como forma y así desaparecer como potencia. Cuando Christgau escribe su artículo para el Village Voice en octubre de 1977 no puede ser consciente de que su lectura del fenómeno desde dentro, unida a la de tantos otros que escribían en términos parecidos al mismo tiempo, está creando la representación que desde el propio artículo señala como faltante. La intención de Christgau en su artículo de 1977, titulado «Avant-Punk: A cult explodes… and a Movement is born», era alejar la entonces plausible posibilidad de que el fenómeno que aglutinaba un conjunto de expresiones heterogéneas bajo la denominación genérica de punk afianzase, de entre todas sus representaciones, aquellas más propensas a la fascinación por el fascismo. «Los punks ingleses –escribe–, con su desafiante nihilismo-lumpen, bien podrían resultar las crecientes masas exteriores a todo estrato de clase descritas por Hannah Arendt como presa natural de movimientos fascistas.» Este recurso a la secta y la masa como dos polos, opuestos pero complementarios, de consecuencia extrema de los mecanismos de fascinación parece más pertinente en el marco de la cultura popular norteamericana desde la que se explica Christgau. La noción de totalitarismo, antagonía primordial de la libertad liberal en el imaginario estadounidense, tiene su representación definitiva en las concentraciones de masas. las exhibiciones de masas fascistas o comunistas forman, en esta ilusión, el reverso oscuro de la nación. La secta, por su parte, como pequeña comunidad cerrada en la fascinación de la convivencia reglada al extremo, sería el reverso siniestro de la familia. Familia llamó Manson a su iglesia, la que puebla de manera más mítica esa fantasía. nación y familia. Como síntesis de estos dos extremos, en una imagen de pesadilla total, las masivas concentraciones de Moonies de la iglesia de la unificación, en multitudinarias bodas simultáneas entre fieles de todo el mundo, formando una suprafamilia/supranación, a la vez masa y secta.

Julio Cortázar

No puedo evitarlo, es una de mis debilidades. Volver a escuchar declaraciones de Julio Cortázar muchos años después supone una superposición grata para acercarnos a su pensamiento y a su literatura. En este caso y ya que hemos hablado de la aproximación a la "profesionalización del artista", al amateur, un punto de vista más. Una capa de sedimento que añadir a los estratos de esta asignatura de Proyectos. ¿Lo habéis leído? ¿Qué os parece? ¿Pertenece a mi lado más sentimental o todavía os produce interés?

Alfredo JAAR

¡Qué acertado hablar de Alfredo Jaar!
Me parece un ejemplo magnífico de intersecciones el el arte contemporáneo y la forma perfecta de romper con el debate planteado hasta ahora dicotómicamente: social vs. artístico. Siempre han sido caminos que iban de la mano (o deberían). Tal vez por eso este verano/invierno pasado en Buenos Aires pude asistir a un seminario titulado La recuperación contemporánea de los eslabones perdidos entre la sociedad y el arte, dirigido por Diego Melero, y organizado por el Centro Cultural Ricardo Rojas y la carrera de sociología de la UBA.
Pero continuando con el hilo (antes de que lo pierda del todo) y continuando con la feliz sugerencia que tuvo Sole de mencionar a Alfredo Jaar aquí adjunto este vídeo (siento mucho la pésima calidad pero aún así merece la pena). Una demostración más de que hablar sobre el trabajo que se ha hecho (bien) no es incompatible con hacer un buen trabajo estético. Prometo que a lo largo del curso colgaré otros vídeos de Jaar (si os interesan).
Esta entrevista fue realizada por la televisión chilena en un programa titulado "Una belleza nueva". En Madrid Jaar trabaja con la galería Oliva Arauna (calle Barquillo).