Mujeres en las Artes Visuales (MAV) por Sara Sánchez

El año pasado se realizaron por vez primera unas jornadas sobre Arte y Mujer organizadas por el Ministerio de Cultura con motivo de la celebración del Día Internacional de la Mujer trabajadora (¿Hasta cuando será necesario el 8 de marzo como marco para hablar de las mujeres? ¿Qué ocurre el resto del año?). Se realizaron dos mesas redondas sobre la situación de las mujeres en el mundo del arte tanto en el pasado como en el momento actual. Artistas, comisarias, críticas y profesoras fueron las participantes. Me impresiono especialmente la intervención de las artistas Cabello y Carceller que aportaron una visión crítica y algo pesimista de la situación a la que nos enfrentamos haciendo hincapié en la precariedad. La comisaría Margarita Aizpuru, quien se dedica a fomentar temáticas de género en el arte, puso encima de la mesa la propuesta de crear una Asociación de Mujeres ante el vacío que existía y que ya estaba cubierto en otros ámbitos profesionales. La intención era que se saliera de las jordanas con el impulso suficiente para poner en marcha dicha organización que se veía claramente necesaria ante los datos y las conclusiones a las que se estaban llegando esos días.

Un par de meses después, el 9 de mayo, nacía la asociación, llamada Mujeres en las Artes Visuales, MAV, con la participación de profesionales activas en todos los sectores del arte: artistas, críticas, comisarias, coordinadoras y directoras de centros, investigadoras, galeristas y gestoras. A partir de esa fecha y pese a la precaria situación inicial, contando como único ingreso con las cuotas de las socias, sin aún tener ningún tipo de ayuda ni subvención, MAV comenzó a trabajar consiguiendo rápidos avances en varios sentidos: la asociación juega un papel importante como observatorio basándose en datos y cifras que reflejan de forma inequívoca la situación de desigualdad de las mujeres en el mundo del arte; realiza informes críticos desde un análisis de género de eventos y situaciones del mundo artístico como la representación femenina en la última edición de ARCO o la escandalosa ausencia de mujeres artistas en el reciente libro de Francisco Calvo Serraller y Juan Pablo Fusi, El espejo del tiempo (Ed. Taurus. 2009); la web de MAV sirve de plataforma para sus socias dando a conocer sus trabajos e iniciativas entre ellas y de cara al exterior; esta web también cumple tareas de sede virtual y centro de documentación contando con interesentes archivos, biblioteca y mediática de acceso libre cuyos fondos van continuamente aumentando. Otras de las tareas importantes de MAV, recogidas en sus estatutos, es actuar de interlocutor con las distintas Administraciones e Instituciones y velar por la aplicación del artículo 26 de la Ley de Igualdad, que propone actuaciones que promuevan a las mujeres y combatan su discriminación en el ámbito de la creación y producción artística e intelectual.

En marzo de este año, el Ministerio de Cultura vuelve a realizar unas jornadas con motivo del 8 de marzo, ampliándolas esta vez de dos a cuatro días y encargando su realización a MAV. Estas jornadas, bajo el nombre de Mujeres en el sistema del arte, analizaron los ámbitos de la producción, gestión, distribución y difusión (en la pagina web de MAV se pueden leer resúmenes de los debates que se dieron en las diferentes jornadas y las conclusiones a las que se llegaron). En ellas tuvieron lugar interesantes discusiones sobre las causas y posibles soluciones de la desigualdad de las mujeres en el arte y se evidencio la falta de conciencia absoluta de estos problemas en personas importantes del sector desde críticos a galeristas. Este hecho pone aún más de relieve la importancia de una Asociación como MAV que saca a la luz situaciones que en algunos casos se desconocen y que en otros es más fácil ignorar por no querer asumir la parte de responsabilidad que tenemos todos y cada uno en la perpetuación de sistemas carentes de solidaridad y equidad.

Como joven artista y estudiante aún, considero que las ventajas que ofrece ser miembro de MAV son múltiples: desde las formativas teniendo acceso a información y recursos a veces difíciles de encontrar; las materiales, como por ejemplo con la reducción del precio en entradas a Museos y Centros de Arte; la concienciación continua y mi caso, ya que es el tema que me interesa, el seguimiento de discursos de género y su traslación al mundo artístico; el conocimiento de profesionales de todos los sectores del arte y el tener la oportunidad de hablar con ellas y aprender de sus experiencias (en este sentido fue para mí una alegría conocer a Marina Núñez, artista a la que admiro); y el ser parte de una organización sin ánimo de lucro que realiza laborales necesarias y positivas de las que se benefician y beneficiarán todas las mujeres que trabajen en las artes visuales, sean o no miembros de la asociación. MAV será capaz de realizar más acciones, tener más peso como interlocutor y conseguir mayores avances hacia la igualdad si su número de socias es mayor. Ya somos 188. Si alguien se anima…

Entrevista a la Asociación Cultural Mediodía Chica por Ana Chinarro

Nombre del entrevistado: Iñaki

Fecha:  9 de Abril de 2010

Lugar: c/Mediodía Chica nº 10, La Latina, Madrid.

www.mediodiachica.com

http://www.mediodiachica.com/blog/

Mediodía Chica es un espacio formado por un grupo de profesionales de las artes plásticas, visuales, y del diseño que se vieron en la necesidad de crear este espacio común para trabajar. Pero también funciona como una plataforma para dar a conocer el trabajo de jóvenes artistas. Además ofrecen talleres de serigrafía y otros eventos, como la presentación de un libro, o un pequeño concierto en la inauguración de una exposición.

El medio a través del que se dan a conocer en Madrid y en todo el mundo, es Internet y las redes sociales como Facebook. Tienen una página web y un blog que actualizan periódicamente y donde podemos encontrar la información de los talleres, de la última exposición o evento y donde se dan a conocer las convocatorias, en las que todos estamos invitados a participar. Y no se olvidan de notas de prensa y por supuesto, el boca a boca.

Iñaki me contesta a algunas preguntas sobre Mediodía Chica. Sobre el proyecto:

Sobre el proyecto:

¿Podrías explicarme qué es Mediodía Chica?

Mediodía Chica es ante todo un espacio personal de producción, un taller común donde sus socios encuentran el ambiente ideal para llevar a cabo sus proyectos. Pero también es un espacio libre. Están abiertos a propuestas y proyectos, que vienen tanto por parte de sus socios, como de fuera.

¿Cómo surgió la idea?

Por necesidad. Empezó como una iniciativa para crear un espacio personal de taller para trabajar.

¿Por qué en Madrid? ¿Habíais pensado en otro sitio? ¿Por qué en la Latina?

Porque la mayoría somos de Madrid y residimos aquí.

Sentimos que tenemos una obligación o responsabilidad, de intentar resolver, o aportar algo, con las posibilidades que tenemos, a la difícil situación que hay a la hora de exponer, y a la hora de encontrar espacios de producción en el centro de Madrid.

No, siempre quisimos que fuera en el centro de Madrid.

Fue donde encontramos el local que cubría nuestras necesidades.

¿Qué ofrecéis a la ciudad de Madrid y/o al barrio de La Latina?

Un espacio diferente de producción y exposición. Queremos conseguir un diálogo con el barrio, y para ello se propusieron el programa de exposiciones, convocatorias, y los talleres.

¿Cuándo empezasteis?

En Noviembre de 2008 y las exposiciones en 2009.

Al principio es difícil darse a conocer, pero ahora ya nos conoce más gente. Cambiamos las estrategias de publicidad del espacio (de flyers a Internet) y dio resultado.

Integrantes y organización:

¿Cuántos sois en el proyecto?

Quince personas entre veintisiete y treinta y cinco años.

¿De cuántas disciplinas distintas venís?

Hay diseñadores, dibujantes, pintores, escultores, fotógrafos, hay gente que hace instalaciones e intervenciones, vídeo; el taller es bastante multidisciplinar.

¿Sois todos madrileños?

La mayoría. Casi todos estudiamos Bellas Artes en Madrid.

¿Cómo os organizáis?, ¿Tenéis a otros profesionales contratados?

Muchos tienen trabajo, lo que hace que no coincidamos todos. La verdad que los horarios se ajusta de una manera muy natural. Luego, el espacio está organizado por talleres que son comunes a todos, así que no hay problemas por los espacios personales, ya que no existen.

En la gestión del espacio, el mail, blog, las convocatoria de eventos, proyectos, ect. nos lo repartimos en función de quien lo organiza y de la implicación que cada uno tiene o quiera tener en cada proyecto o en cada función. Los que empezamos la idea de llevar el taller a algo más, somos los que nos encargamos de que eso siga funcionando. Tampoco es algo rígido. Los que no se quieren involucrarse en estas tareas están en su derecho. Eso sí, todos tenemos nuestro turno de limpieza.

Tenemos contratada una gestoría después de haberlo intentado nosotros antes.

¿Y la financiación, de dónde viene?, ¿Recibís alguna ayuda?
Lo financiamos nosotros, ya que es un taller personal. Cada socio paga una cuota para cubrir los gastos del alquiler y otros. La idea que teníamos desde el principio, era la de taller personal, así que no tenemos la presión de que el espacio tenga que ser rentable. Pero si en alguna exposición se vende, se pide un pequeño porcentaje, para cubrir los gastos que genera la exposición, incluso si la exposición es de alguno de nosotros.
No, ninguna.

¿Vivís de esto? ¿ A parte de esto tenéis otro trabajo?, ¿Este está relacionado con vuestros estudios?
No. Muchos tienen su trabajo. Son diseñadores, fotógrafos, publicistas y otros se dedican sólo a sus proyectos. En general sí, la mayoría son diseñadores.

Actividades:

Las actividades, eventos, exposiciones, talleres, presentaciones, ect que ofrecéis, tienen un objetivo común. ¿Qué es lo que les une? ¿Para qué?
No, porque al estar abiertos a todas las propuestas de los socios y las que se nos presentan y nos interesan, salen cosas muy dispares.
Pero el nexo común es que trabajamos con unos productores concretos. Gente joven y profesional, con ganas de desarrollar un proyecto, que aún no ha tenido la oportunidad de exhibir su trabajo por diversas razones, entre ellas, que sus proyectos no están dentro de los parámetros artísticos establecidos.

Este espacio nos soluciona cosas con las que no estabamos conformes. Como la hermeticidad de muchas galerías y salas, donde el primer planteamiento es que seas rentable. Hay que ser un valor en alza para entrar (haber estado seleccionado o haber ganado certámenes importantes, como Generaciones, ect.)
Creemos que en Madrid ahora hay mucha gente que está haciendo cosas muy interesantes y que no tienen cabida en estos sitios, porque no tienen un currículum de concurso, porque a lo mejor no están centradas en esto, pero que están trabajando en sus proyectos de otra manera.

¿Cuál es el criterio por el cual elegís las actividades, las exposiciones, ect.?
Que sea un proyecto que nos interese.

¿Los participantes son sólo madrileños ?
No, pero casi todos residen en Madrid. En una de las convocatorias se cogieron trabajos de una chica holandesa que estaba viviendo en Madrid.

¿En qué ha cambiado?
Al principio creíamos que íbamos a tener más tiempo, y ahora nos hemos dado cuenta de que gestionar el espacio, (estar pendientes de los mails, llevar el papeleo, actualizar del blog, facebook, responder al teléfono, organizar las exposiciones, elegir las propuestas, etc.) lleva mucho tiempo.

¿Por qué elegisteis este camino? ¿Qué os impulso a ello?
La necesidad de un espacio de producción.


Conclusiones:

¿La idea qué teníais al principio de lo que iba a ser Mediodía Chica, es la misma que tenéis ahora?
No. Al principio queríamos que la sala se autogestionase, y realizábamos eventos y fiestas, pero no queríamos que sólo nos asociasen con las fiestas. También, al principio era una idea más común que se ha ido individualizando, por los intereses y medios de cada uno. Nos hemos abierto a la pluralidad de ideas y propuestas que vienen de dentro y desde fuera de la asociación; estamos en un continuo desarrollo que no intentamos forzar, sino que se produzca de manera “natural”. No podemos decir, “Mediodía Chica piensa esto”, ya que en este espacio hay mucha gente pensando de manera diferente. Nos vamos uniendo a los proyectos que nos interesan. Pensamos que no vale la pena tener una sola voz, somos quince personas y es muy difícil tener un discurso común, llegar a acuerdos. Creemos que no teniendo una sola voz nos enriquecemos.

¿Algo que queráis decir a los futuros profesionales?
Todo es posible, los límites te los pones tú. Eso sí, hay que estar al día de todo lo que está pasando, esto es parte del trabajo, ir a exposiciones, conferencias, etc. La imagen del artista en su taller con la idea genial, no vale, hay que contextualizarse en un medio, en un entorno. No nos podemos aislar del medio del que queremos formar parte. Hay que entender que esto es una profesión y que esto no nos lo enseñan en la Facultad. La Facultad está rodeada por una tapia de 5 metros, aislada del mundo del arte, y eso que está en Madrid.

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IB, Aquí Huidizo por Alicia Juan

Isidro Blasco, Aquí huidizo

Exposición  en Sala Alcalá, 31 Madrid

Habla de espacios y dimensiones, de lugares desde Fuera (New York y Shanghai) y desde Dentro (interiores creados por el artista, sitios donde habitamos) a través de proyecciones de vídeo sobre “supuestos” exteriores y, en diferentes dimensiones espaciales a través de la fotografía sobre foam (gran formato y medio formato). Fotomontajes reposando sobre estructuras de madera como fracturas de una realidad.

Nos enseña la ciudad y el interior de ella, cómo la percibimos desde fuera y desde dentro, confiriéndole una carácter de intimidad muy potente, traspasando barreras en los límites de lo público y lo privado.

Una especie de caos ordenado que te impulsa a continuar tanteando unos espacios definidos y reconstruir una realidad propia a través de ellos.

La arquitectura tiene una gran influencia en Isidro, animándonos a recorrer sus maquetas de espacios ilusorios en los que, la materialidad del medio, forma parte de un mismo lenguaje; los excedentes de cola (intencionados o no), al pegar las piezas de las maquetas, trasladan al espectador a ese momento en que unía las piezas.

Algunos lo han definido como cubismo escultórico, pero no voy a ser yo quien le ponga nombre y apellidos a una forma de trabajar concreta que necesite ser referenciada para que adquiera mayor o menor peso, cuando en la manera de mirar, percibir, entender o comparar, las referencias, no son las mismas para todos.

Isidro habla del vacío como algo espiritual y fundamental, pero no conozco su discurso como para valorar determinadas cosas.

Posiblemente, yo haya cerrado su obra dentro de una objetividad muy subjetiva quedándome sólo, con aquello que me interesa.

Pierre Gonnord o la esperanza después de los 30 por Sara Sánchez

A través de la exposición que hemos podido ver en Alcalá 31 hasta hace unos días, me acerco y conozco la obra fotográfica de Pierre Gonnord, y esto me lleva a interesarme e investigar sobre sus procesos de trabajo y su trayectoria hasta el momento actual. Conociendo su biografía, lo primero que me llama la atención y el motivo de que haya aumentado mi interés por él, es saber que no comenzó su trabajo como fotógrafo hasta hace 11 años, y teniendo en cuenta que este artista ahora cuenta ahora con 47 años, nos encontramos con un dato importante para la reflexionar.

Como proyectos de artistas, nos envían mensajes de forma continuada y más o menos sutil de que tenemos que despuntar en esto del arte mientras somos veinteañeros. Multitud de premio y becas así nos lo indican. Ser joven es un valor añadido y a esa juventud se le pone fecha de caducidad. El circuito artístico se nos presenta con una maquina compleja e incluso hermética a la que se puede acceder siguiendo determinados “circuitos” o protocolos de actuación. A parte, claro esta, el “dejarse ver” y el arduo trabajo de relaciones publicas. Si a esto sumamos los grandes ánimos que se nos da desde la propia facultad sobre lo imposible que va a ser dedicarse a esto del arte, (a veces incluso de forma sangrante en la misma charla de presentación cuando entras en primero) nos encontramos con un paisaje desolador que hace que la mayoría de los estudiantes de BBAA ni se plantean siquiera dedicarse al arte como opción. Acercándose una peligrosamente a la frontera de los treinta y estando aún en el escenario académico, se hace complicado mantener la esperanza de que algún día tus proyectos puedan ver la luz. Y en esto llega Pierre Gonnord y nos dice que es posible.

Gonnord no iba para artista, no estudio para ello y ni siquiera se lo había planteado. La gustaba la fotografía y el arte desde pequeño pero desde cierta lejanía. Su estudios y su vida laboral fueron por un camino más “práctico”. No fue hasta los treinta años y a través de un proceso personal doloroso en el que su incluye la muerte de un hermano, cuando hace un parón en su vida. Realiza en esa época un viaje a Cuba en el que realiza multitud de fotografías. A volver y revelar los carretes (ya nos parece prehistoria el mundo anterior a lo digital) se encuentra que sus fotos son todas de retratos. Ni paisajes, ni objetos, solo caras, caras y más caras. Su crisis personal, y la timidez que él dice que padece, le hacen utilizar la fotografía como forma de acercarse y dialogar con el otro. Tuvo la suerte entonces de que sus amigos cercanos le animan a seguir por ahí y le recalcan la calidad de sus trabajos. A partir de aquí nos encontramos una especie de cuento de hadas para artistas que nos deberíamos leer a nosotros mismos al irnos a dormir: ya había pasado los 35 años cuando comenzó a trabajar profesionalmente como fotógrafo, le descubre ni más ni menos que Juana de Aizpuru que se convierte en su galerista, y la primera obra que vende es al Reina Sofía. Y después de esto exposiciones individuales y colectivas por doquier, estar presente en las mejores ferias, y el tener libertad para afrontar sus proyectos e investigar los temas que le interesan.

Es fácil encontrar la moraleja de esta historia. Tengámosla presente.

Retrospectiva de Maruja Mallo por Sara Sánchez

Real Academia de Bellas Artes de San Fernando –Hasta el 4 de abril

¿Y quién es Maruja Mallo? Se preguntan. Pues Maruja Mallo era una artista: una artista grande; se codeó con los principales intelectuales y poetas de comienzos del siglo XX; amiga de todos los grandes nombres de la generación del 27; apoyada por Ortega Gasset quien le organizó una exposición cuando solo tenía veintiséis años que fue un acontecimiento cultural en Madrid; participante de las tertulias de André Bretón en París; parte importa del surrealismo; ceramista; reconocida en vida en Francia, Argentina, New York…; con obra en grandes museos nacionales e internacionales; precursora del Pop Art; docente; investigadora plástica infatigable…
Y sin embargo, en su país se preguntan ¿Quién es Maruja Mallo? Pero la pregunta es incorrecta. Lo que hay que preguntarse es ¿Por qué no sé sabe quien es Maruja Mallo? (Y me disculpo por adelantado por lo directo y a la vez tan obvio de mi respuesta) Porque tenía vagina. Si Maruja Mallo hubiera sido un hombre seguramente su obra sería al menos algo más conocida. Quizás su nombre nos sonaría un poco. Pero no era así, y cuando volvió a España, su país, en 1965 tras veinticinco años en el exilio, se encontró que no valía de nada su trabajo de décadas. Al hecho de ser mujer, se le unía el de ser republicana y el de haber tomado parte en las Misiones Pedagógicas del Gobierno de la República en su Galicia natal. Se instalo en Madrid y siguió trabajando, siempre llena de vitalidad. No se canso de intentar avanzar artísticamente, y aún cuando tenía casi ochenta años comenzó su última etapa pictórica.
La transición tardo en traerle algo de reconocimiento. En 1990, con ochenta y ocho años recibió la Medalla al Mérito en las Bellas Artes y el Premio de Artes Plásticas de Madrid. Murió cinco años después. El agosto del 2008, el entonces ministro de cultura César Antonio Molina, se comprometió a crear un Museo permanente y un centro de estudios sobre Maruja Mallo en Viveiro, su ciudad natal, en Lugo. Aunque dicho museo también recogería la obra del escultor Cristino Mallo, hermano de la artista. De esta propuesta se sabe que este pasado verano se han dado pasos burocráticos para realizar el museo en el caso antiguo de Viveiro. Esperemos que este proyecto no se quede por el camino.

La actual ministra de Cultura, ÁngelesGonzález-Sinde, inauguró la retrospectiva sobre Mallo que nos presenta la Real Academia de BBAA de San Fernando, institución en la ingreso precisamente ella en 1922 cuando contaba con veinte años, siendo al parecer la primera mujer en ser admitida. La muestra recoge 140 obras de la artista, que hay que recordar que tiene parte de su obra diseminada por los múltiples países en los que vivió y otra parte esta tristemente desaparecida, como sus cerámicas que fueron destruidas durante la Guerra Civil.
Deseando que esta exposición, junto a otras iniciativas, vaya dejando el trabajo de Maruja Mallo en el lugar histórico que se merece lejos del anonimato, aportamos desde aquí nuestro granito de arena.

"TÚ,
Tú que bajas a las cloacas donde las florea más flores son ya unos tristes salivazos sin sueños y mueres por las alcantarillas que desembocan a las verbenas desiertas para resucitar al filo de una piedra mordida por un hongo arrancado, dime por qué las lluvias pudren las hojas y las maderas. Aclárame esta duda que tengo sobre los paisajes.
Despiértame." Rafael Alberti, Ascensión de Maruja Mallo al subsuelo

THE LAND FOUNDATION por Elena Vega

THE LAND FOUNDATION es una comunidad creada en 1998 que se encuentra en las proximidades del pueblo de Sanpatong, a 20 minutos conduciendo de la capital de provincia Chiang Mai en Tailandia.
Creada al adquirir dos artistas tailandeses unos campos de arroz ( los que conforman The Land Foundation; “campo de arroz” sería una traducción al término en tailandés que en inglés se traduce como “The land”), este hecho no niega el concepto con que fue iniciada de anonimato y sin propiedad de esa tierra, dirigida hacia la comunidad, el debate y la experimentación en otras áreas de pensamiento.
Sus objetivos son promover y apoyar actividades artísticas y culturales, la agricultura natural y el autoconocimiento mediante técnicas Vipassana. Se basa en la sostenibilidad, el autocontrol y el diálogo. Concebido como un lugar de y para el compromiso social.
Trabajan en el desarrollo de diferentes proyectos para habilitar/desarrollar The Land, crear ese espacio de compromiso y meditación; usando materiales de la zona.
Los proyectos que se realizan en The Land tienen carácter experimental y de investigación y están orientados a desarrollar la comunidad, es decir, a encontrar soluciones a los problemas que surgen a la hora de “poner en marcha”/habilitar el lugar para poder llevar a cabo sus fines.
El proyecto es la propia comunidad y su modo de vida.
El terreno está ahí para ser usado, cultivado sin un límite de tiempo. Consiste en una finca de más de 9000 metros cuadrados y se organiza del siguiente modo:
En el centro hay dos campos de arroz para cultivar que se cosecha una vez al año, en vez de seguir el ciclo estacional, debido a un proyecto experimental llevado a cabo por estudiantes de la universidad de Chiang Mai. La recolecta, que asciende a 1000-1500 kg, es repartida entre aquellos que han trabajado en los campos así como entre algunas familias del pueblo local que enfermaron por una epidemia de SIDA. También son aprovechados para la alimentación los árboles frutales que hay así como se planea plantar diversas verduras y hortalizas.
No hay agua corriente ni electricidad. La falta de estas comodidades facilita el entendimiento del terreno y su desarrollo no como una intención de mejorar la finca buscando su valor sino como la oportunidad de crear y el lugar para que ocurran esos proyectos y esas investigaciones. Pero sin fines lucrativos.

Para conseguir la energía necesaria para el desarrollo de The Land, aplican de nuevo la idea de llevarlo a cabo siendo fiel al entorno, la sostenibilidad, etc. Usarán recursos naturales renovables como fuente para la electricidad y el gas. El grupo de artistas de Copenhague, Superflex, han desarrollado su idea de Supergas, un sistema que usa la biomasa (como los excrementos) para producir combustible. Han usado The Land como laboratorio para producir este sistema.
Otros ejemplos son los del artista Arthur Meyer, de Chicago, que trabaja en un sistema que utiliza la energía solar o del artista tailandés Prachya Phintong, que consiste en usar estanques y piscinas de agua para la cría de peces. Todas estas propuestas son pensadas para que colaboren en ellas tanto las gentes del lugar como los estudiantes de las escuelas y universidades locales.
Además de entender The Land como laboratorio también tienen cabida proyectos arquitectónicos. Han construído una casa para el jardinero y su familia , que son quienes cuidan diariamente de la finca.
La cocina surgió del debate colaborativo entre Kamin Lerdchaprasert, Superflex, Tobias Rehberger y Rirkrit Tiravanija. Se formó en dos partes: una parte fue la invitación de Superflex, Rehberger y Tiravanija a participar en una exposición en Portugal bajo el título de “Más trabajos sobre edificios y comida”. En ella, decidieron iniciar el proyecto de esa cocina en el cual integrarían sus intereses e ideas. Superflex diseñó el sistema para conseguir el biogas, Rehberger realizó la plataforma que activaba el biogas, la cual estaba conectada a una lámpara de gas diseñada también por él, y a una cocina diseñada ésta por Tiravanija.
Una vez acabada la exposición todo el sistema fue trasladado a The Land y se incorporó a la estructura que había construido Kamin Lerdchaiprasert.
Otros proyectos de construcción son los de los baños, el de un hall central que usar como espacio para diferentes talleres (artista Philippe Perreno y arquitecto Francois Roch) o crear unas estructuras para viviendas. Los artistas que viven allí tienen su casa; asimismo, hay un programa de residencia anual sin coste para experimentar esta comunidad.
Todas las estructuras están abiertas para su libre uso.
Aunque The Land esté en Tailandia y el proyecto esté enraizado en la cultura y tradición del lugar donde se encuentra, los artistas que han participado en él proceden de todas partes del mundo. El requisito que se cumple es seguir los valores de compromiso, respeto con el hábitat, diálogo y comunidad citados anteriormente en los que se basa The Land.

En su página web ( www.thelandfoundation.org ), aparecen los proyectos que han sido realizados o están realizando ahora en The Land. Algunos ejemplos de los actuales son :
The bridge (el puente) (2007-2012), un proyecto de Nico Dockx y Kris Kimpe, consiste, como dice su nombre,en la construcción de un puente.
The Star House, ideada por Carl Michael von Hausswolff. El tema del dinero, de dónde sacan el presupuesto para hacer todo esto, en este caso sale de patrocinadores suecos. De donde es el artista, en otros casos no lo sé.
Esta casa tiene forma de estrella de 8 puntas. La conforma una sola habitación destinada a ser un lugar para la soledad y la meditación o para un invitado. No tiene electricidad pero sí una célula solar que se instalará para que active un ordenador portátil o a un recibidor de radio de 1485kHz; que es la frecuencia de radio que Friedich Jürgenson(1903-1987) usaba para establecer comunicación con “el otro lado” (www.fargfabriken.se/fjf/). Esta casa está dedicada a su trabajo y a su memoria.
Un experto en Feng sui participa en el proceso de la casa encontrando el mejor lugar donde construirla.

Por último, igualmente en la página web de The Land Foundation aparece como últimas noticias un proyecto que han estado llevando a cabo( y que encuentro interesante como muestra de proyecto real y las diferentes claúsulas que aparecen , por lo que lo hacen, cómo lo piden, etc), para recaudar fondos para la comunidad. Lo he traducido tal cual:
“The Land” proyecto de recaudación de fondos
Para la administración y dirección de “The Land Foundation”

Durante 3 años (2007-2010) a The Land Foundation le gustaría desarrollar su infraestructura básica y completar sus instalaciones y continuar con nuestro plan de futuro. Con la vista puesta en proporcionar sonido operativo y apoyo al proyecto, nos gustaría construir una oficina, un estudio, una galería, un hall para la meditación, y suministrar aparatos: equipamiento, dispositivos de audio, etc. The Land Foundation desea desarrollar su área de agricultura y sus fuentes de energía alternativa. Aún más, The Land Foundation querría estimular las oportunidades para el desarrollo personal de nuevos estudiantes-participantes y voluntarios. Por lo tanto, nos gustaría invitar a artistas profesionales así como a artistas emergentes y activistas culturales a involucrarse activamente en apoyar su dirección y sus actividades para el beneficio del público general.
Así, a The Land Foundation le gustaría agradecer a nuestros artistas que han donado las obras para este proyecto, los cuales incluyen:
1. Ankrit Ajchariyasophon
2. Carl Michael von Hauswolff
3. Thaiwijit Puengkasemsomboon
4. Mit Jai Inn
5. Tobias Rehberger
6. Markus Heinsdorff
7. Kamin Lertchaiprasert
8. Rirkrit Tiravanija
9. Thasanai Sethaseree
10. Superflex
11. Robert Peters
12. Alexandre Perigot
13. Geir Tore Holm
14. Nico Dockx
15. Søssa Jorgensen
16. J.G.Thirlwell
17. Franz Pomassl
18. Pierre Huyghe
19. Brandon LaBelle
20. Alicia Framis
21. Pier Luigi Tazzi
22. Joern Schafaff
23. Nim Kruasaeng
24. Anton Vidokle
25. Chakkrit Chimnok
26. Chanon chanpanao
27. Jirasak sangpholsith
28. Kittikong Tilok-Watanothai
29. Natthawut Rakprasith
30. Panomporn Choosak
31. Patcharee Chimnok
32. Preeda Pathamamethi
33. Rashanna Rashied-Walker
34. Silachan Ramayanon
35. Tapana Puenglaor

El proceso de recaudación de fondos seguirás del siguiente modo:

1. Exposición
1.1 Obras originales se venderán; días y lugares concretos se determinarán.
1.2 Coleccionistas y público general será animado a dar apoyo y comprar los trabajos.

2. Edición especial
2.1 The Land Foundation querría pedir permisoprevio para reproducir el trabajo para recaudar fondos para The Land Foundation.
2.2 Los trabajos originales serán reproducidos en pantalla de seda, en total diez (10) ediciones.
2.3 Las impresiones serán incluidas en cada edición especial las cuales formarán diez (10) portfolios.
2.4 Los (10) certificados, cada uno con la firma del artista serán incluidos en los portfolios.
2.5 Cualquier esfuerzo humanitario para apoyar The Land Foundation será bienvenido para recaudar y donar una suma por un portfolio.
2.6 Los portfolios de edición especial serán donados a The Land Foundation para sus funcionamiento y sus actividades

3. PR
3.1 Las imágenes digitales (300 DPI) del trabajo original serán usadas para PR en diferentes medios, por ejemplo: página web, folletos, catálogo, etc.
3.2 Las imágenes serán mostradas en la página de The Land Foundation.

The Land Foundation cree que su intención de abrir un espacio público experimental y animar a la colaboración aumentará el diálogo, la imaginación de todo el mundo y la búsqueda de nuevas ideas. Deseamos que estas ideas creen e inspiren grandes proyectos sostenibles en el futuro. Además de eso, estas ideas aportarían una atmósfera intelectual y de entusiasmo que beneficiaría al público general. The Land Foundation espera que vean la importancia de compartir y apoyar el proyecto de recaudación de fondos The Land. También creemos que la armoniosa unión de artistas, activistas culturales, intelectuales, críticos y amigos de The Land Foundation sinceramente podría ser beneficioso para todos los participantes, para la comunidad del arte y la cultura y para el público en general.”

Virginia Villaplana por Elena Vega

Visita a las fosas de Valencia.
Lugar: Off Limits y Museo Nacional Centro de Arte Reina Sofía.

El proyecto "El instante de la memoria" de la artista Virginia Villaplana se divide en 5 formatos: novela documental, espacio expositivo, ciclo de vídeo y conferencias, taller teórico-práctico y visita guiada a las fosas comunes en el cementerio municipal de Valencia; repartidos entre el Museo Reina Sofía Y Off Limits.
Voy a comentar la experiencia de la visita a las fosas en la que participé el pasado sábado 6 de febrero.
El grupo lo formamos 9 personas más los dos conductores del autocar, entre estas personas se incluía la artista que era la que nos guiaría en la visita a las fosas.
Durante el viaje y antes de llegar al cementerio, Virginia nos habló sobre el comienzo del proyecto y el proceso jurídico-administrativo por el que ha pasado la reivindicación de la fosas frente a los intentos del Ayuntamiento de Valencia por borrarlas del mapa.

• Resumen de la explicación de Virginia en el bus:
El trabajo empezó con un relato de su abuela por parte de padre y los paseos que dio con ella. Contó que recordaba pasear con su abuela hasta el cementerio y que ésta llevaba flores pero no a una lápida en particular, si no que las depositaba en la que podría ser una tierra cualquiera. Ese lugar era la fosa común. Porque en ella hay enterrados familiares de la artista, sus nombres y las fechas de sus defunciones están reflejados en la exposición, en una de las paredes de Off Limits.
El 26 de abril de 2006 el ayuntamiento de Valencia proyecta construir 1110 nichos sobre la fosa común de los represaliados durante el franquismo entre los años 1939-1945. Por medio de la constructora Secopsa inicia la especulación con la apropiación de este terreno público para venderlo en el sector privado y así, especular con un espacio de dolor y memoria.
Este hecho cobra dimensión pública gracias al trabajo de las asociaciones por la memoria histórica que reivindican estos espacios para exhumaciones o, al menos, para su señalización y reconocimiento. Sin embargo, con el comienzo de las obras en las fosas ya se producen daños irreparables como la extracción de tierra de las mismas donde había restos orgánicos. Se produce un “atentado tanto simbólico como físico” de las fosas.
Las asociaciones de la memoria histórica y los familiares de los represaliados ponen una demanda para parar las obras de los nichos. La Audiencia Nacional les da la razón y se consiguen paralizar , pero a esto siguen una serie de apelaciones y juicios que se han alargado en el tiempo debido, entre otras cosas, a que existe un problema con la ley actual de la memoria histórica según la cual las asociaciones no pueden representar a los familiares de modo que toda la responsabilidad y el coste recae sobre éstos.
La última decisión que se toma es de mediados de 2009 en la que a Garzón se le retira la potestad de decisión sobre las fosas y se extiende la autoridad a los tribunales de instancia comarcales, es decir, deciden los ayuntamientos.
El ayuntamiento de Valencia deja el lugar en un estado de abandono, de ruina sostenida, en el que crecen las hierbas sin ningún cuidado. Virginia lo describía como un espacio en conflicto porque es un espacio de dolor, un espacio convertido en ruina, con la apariencia de jardín salvaje; y que habla por sí mismo, con las malas hierbas, los detalles, las flores llevadas por los familiares…
La artista comenzó a visitar las fosas en 2006 una vez al mes durante este proceso con la intención de hacer una etnografía del lugar. Describir este espacio a través del paso del tiempo, cómo estaba siendo erosionado(sacando y poniendo tierra) y cerrado para impedir el acceso mediante una verja de unos 3 metros cubierta por una lona negra.
Usó la fotografía como herramienta en este trabajo de hipervisualización primero, para describirlo y, segundo, para mostrar lo que ahí ocurría.
Esta descripción es muy de lo que hay en la primera capa, pero lo importante es lo que no muestra la foto, lo que hay debajo, la fosa.
Paralelo a esto en 2007, Virginia contó cómo encuentra dificultad para sacar su trabajo a la luz pública, para dar a conocer lo que está pasando. Prepara un dossier y después de intentos fallidos en Madrid y Valencia (en Valencia siempre ha encontrado dificultades) consigue que lo publiquen en el suplemento de La Vanguardia, “Culturas”. Gracias a lo cual se produce el contacto entre la Asociación de la memoria Histórica de Valencia y ella. Este es un momento muy importante ya que es en el que el proyecto se convierte en colaborativo y el trabajo crece.
Como dijo Virginia, no importa lo que vas a contar, sino lo que puedes aportar al colaborar con otras personas. Es ahí cuando el trabajo crece, se abren otras direcciones.
Una de estas direcciones es un descubrimiento de gran valor. Encuentran en una sala, en una estantería el libro de archivo del cementerio donde están registrados con todo detalle cada uno de los enterramientos de la fosa con las fechas, la causa de la muerte, nombres y edades. Esta se convierte en su principal fuente bibliográfica. Gracias a esto, por ejemplo, es como consigue Virginia ubicar las fechas de las muertes de sus familiares.
No obstante, estos archivos son de carácter administrativo, de modo que quien tiene potestad sobre ellos sigue siendo el ayuntamiento. Por eso, hicieron foto de cada página e hicieron un levantamiento de acta en un notario para declarar su existencia, para que no desaparezcan esas muertes en caso de que lo hiciese el libro. Esas fotos se pueden observar en Off Limits.
El ayuntamiento se entera de que la investigación se va a hacer pública y surgen nuevas complicaciones. Sustituyen al director del archivo, pero para cuando lo hacen y no les permiten el paso a los investigadores, éstos ya habían acabado con el trabajo y lo pueden hacer público.
En la actualidad, el ayuntamiento tiene prisa por hacer algo. Tienen planeado hacer un jardín y colocar un monolito sobre las fosas con la intención de limpiar el espacio. Han vuelto a meter a la constructora Secopsa, han comenzado a quitar las malas hierbas y a introducir nueva tierra y han cerrado 4 de los 5 accesos a la fosa. Quieren hacerlo antes de que salga el pronunciamiento del tribunal Constitucional que frenaría al ayuntamiento.
“Colocar un monolito/monumento es una manera de conmemorar y no hay nada que conmemorar, lo que hay allí son los restos de una barbarie”. “El instante de la memoria es algo vivo y a tiempo real”.

• Ejercicio de memoria visual :
Al llegar al cementerio Virginia nos propuso un ejercicio consistente en la creación de un relato visual y subjetivo de la visita a la fosa por medio de un ejercicio de memoria.
Nos pidió que recorriéramos el perímetro de la fosa en silencio, cada uno a su ritmo, contando mentalmente el número de pasos que dábamos y, a la vez, mediante la observación captando aquellos detalles que nos llamasen la atención. No debíamos preocuparnos en recordar exactamente lo pasos a la par que nos percatábamos de cada elemento, sino que conjugásemos ambas actividades intentando mantener la cuenta.
Yo di 863 pasos si no recuerdo mal.
Al final del recorrido, Virginia nos pidió la cifra a cada uno ya que había inventado una fórmula matemática: la suma de los pasos de todos multiplicado por el área de la fosa. El resultado es previsible que aparezca de algún modo en la exposición en Off Limits.
La artista mencionó un par de artistas como influencias para este ejercicio, relacionados con los trabajos de memoria (memory works) y la observación y el paseo/caminar. Uno de ellos es Hamish Fulton, o como aparece en su página web (www.hamish-fulton.com), “walking artist”. Trabaja con viajes a pie, paseos y la observación. Mencionó también una artista que comenzó con los memory works en los 70, pero no pude entender bien su nombre y no he conseguido encontrarlo. Es algo como Frida Hans/Haus, si alguien sabe quién es, sería de ayuda.

La fosa que visitamos fue la sección 7ª del cementerio. Consiste en un rectángulo rodeado por paredes de nichos, éstos de construcción posterior a la fosa. Resulta violenta la convivencia de la fosa rodeada por una verja como si fuera el solar de una obra, junto con los nichos “oficiales”. Aún así, la fosa tiene sus propias flores, sus propios recuerdos-homenajes de familiares que los han atado a la verja, de quienes reclaman el lugar y no olvidan. Quedan restos de celo de flores que han volado, otras resisten atadas mediante mecanismos ideados para que aguanten. Su empeño y esfuerzo emociona e indigna por lo que ocurre allí. Los familiares, los muertos, el lugar, merecen respeto.

Es una pena que tan poca gente participase en esta actividad sumándose al reconocimiento o señalización de la existencia de esta fosa, este testigo y huella de la represión y, de algún modo, colaborar a que no se consiga cubrir y olvidar.

La exposición continúa en Off Limits y se celebrarán taller (22-26 de febrero) y ciclo de conferencias y vídeos (a partir del 27 febrero) en el Reina.
http://www.museoreinasofia.es/programas-publicos/pensamiento-y-debate/2010/narrar-la-historia/programacion.html

3 propuestas de exposición por Elena Vega

Ryan McGinness-Estudio franquicia
En la Casa Encendida, del 5-02 al 4-04 2010

El proyecto de la exposición está dividido en 3 salas: 1-el estudio del artista, 2-la obra en proceso: y 3-la exposición final de la obra.
Aparece como un proyecto didáctico que muestra las distintas fases del trabajo del artista. Es interesante el concepto de proyecto de exposición que presenta, no limitándose a la exhibición de unos resultados sino que involucra los conceptos con los que trabaja como los originales, los duplicados, las reproducciones en la exposición; desdoblando su estudio en una especie de performance, trabajando con la serigrafía , colaborando con “dobles” suyos (por la campaña/convocatoria “se buscan Ryan McGinness), la producción en serie, el proceso de creación.

En el espacio dedicado al estudio, que no es una copia exacta del suyo en Nueva York pero sí sigue unas líneas generales; Ryan trabajará durante un mes, de lunes a viernes, junto con 20 personas seleccionadas por él mediante una convocatoria a través de la página www.sebuscanryanmcginness.com .

Proceso de trabajo en el estudio sacado de la web:“Cada uno de los seleccionados pasará cinco horas al día durante cinco días en el taller de McGinness en La Casa Encendida. A uno de los candidatos más votados en Facebook –tras pasar la prueba del videochat con el propio artista– se le pagará el desplazamiento desde su lugar de residencia y su alojamiento los días que dure el taller(…) A medida que el artista y sus colaboradores vayan generando obra en el estudio esta será instalada en el Espacio B junto a pinturas y esculturas en proceso. La exposición se completa con obras seleccionadas y provenientes de distintas colecciones, a modo de muestra de los últimos trabajos del artista, que serán expuestas en el Espacio A.”

Mateo Maté
Dentro del espacio “Exposición x Obras” del Matadero se encuentra “Viajo para conocer mi geografía” un proyecto en proceso de Mateo Maté, que comenzó en 2001 hasta 2009. Estará hasta el 14 de marzo en el Matadero.
Maté utiliza elementos de su hábitat doméstico
El título sugiere una idea de introspección, de búsqueda personal y es una invitación al espectador a conocer sus descubrimientos o, al menos, a viajar por ellos. Viajas recorriendo la sala y a través del vídeo, pero también se podría decir que el “viajo” del título podría identificar al artista con el coche que recorre ese mundo que ha creado.


Produce un guiño interior y personal de reconocer en el viaje personal del artista, paradas del nuestro propio. Como el scalextric que recorre toda la instalación; además del ingenio con que reconstruye algunos de esos parajes (el toro de Osborne sacado de la botella de Osborne, las figuritas de los Reyes Magos del Belén, el Calderón, los libros que construyen edificios, etc.).
Esos objetos cargados de significados, con un pasado común entre el artista y el espectador y que usa como material para su obra. Su propia vida como ese material.
Es muy poética y aunque parezca vacío decirlo es bonita, en el buen sentido.
Un coche de juguete con una cámara incorporada, recorre la instalación mientras se proyecta su viaje en una pantalla, amplificando ese universo íntimo del artista.
Puede que sea por la cercanía o familiaridad que desprende en parte la obra que ocurran episodios como el que tuvo lugar mientras visitaba la exposición: los visitantes esperan a que se acerque el coche para poder entrar en el ángulo de visión de la cámara; se introducen en la obra y aparecen en la pantalla como gigantes que saludan al viajero que iba dentro del coche.

www.mataderomadrid.com

Unofficial tourism
Unofficial tourism es un proyecto de Iñaki Larrimbe dentro de Madrid Abierto 2010.
Consiste en una intervención en el Paseo de Recoletos, en Colón, donde ha colocado una caravana que funciona como su nombre indica, como oficina alternativa de turismo. Allí proporcionan al turista, o al que pasa, un mapa y un folleto con 6 itinerarios turísticos fuera del circuito oficial. Estos itinerarios han sido propuestos por diferentes residentes en Madrid relacionados con el mundo underground, alternativo o contracultural. Así, se proponen 6 itinerarios: las tabernas centenarias, los luminosos de neón, las máquinas recreativas, la Cañada Real, el arte urbano y Madrid y el cine.
Unofficial tourism no lo veo tanto una crítica al turismo sino una alternativa se convierte en una propuesta alternativa. Además que se incluye dentro de una convocatoria oficial de la comunidad de Madrid, que, a su vez, sirve como reclamo turístico. Madrid capital de la cultura, date un paseo por Recoletos y verás qué bien. Y el caso es que me lo doy.

Este domingo por la mañana me puse el traje de turista (cámara de fotos en mano) y un poco también de dominguero y fui a recorrer parte de esta propuesta. Las visitas del underground aparecen en el plano que te dan como si fueran los objetivos a conquistar de un mapa del campo de batalla. Estética Google maps. Salí a la caza e hice 8 blancos, uno se escapó. Desde aquí, decirle a quien corresponda que no encontramos “9. E1000 en el Museo de la Radio” y que no existe tal c/ Santa Ana, que es una plaza.
Esta es una propuesta al turista, pero yo no soy un turista en mi ciudad, ¿o sí? Los madrileños que se acerquen a la caravana y participen de los recorridos ¿se convierten en turistas del lugar en que viven?, del que se supone conocen. ¿Descubren lugares? ¿O se trata de otro discurso en el que se subrayan esos “parajes”/elementos cotidianos, antes conocidos como “no-visitables” y se les convierte en dignos de consideración?
¿Qué hace que un lugar, espacio sea considerado como de interés turístico? En cierto sentido, hay quien consideraría esa calificación casi como un insulto. Porque si tienen que ser sitios extraordinarios, que se salgan de lo común (de lo cotidiano) o que contengan objetos de valor (como el Museo del Prado), el Prado es familiar para mí. El Retiro también. Sin embargo, nunca he entrado en uno de estos puestos de souvenires que hay por el centro o tampoco he visitado el museo o sala de trofeos del Santiago Bernabéu y ese es el lugar más visitado de nuestra comunidad.

www.madridabierto.com

Hoy termina la expo de los Encuentros...

Encuentros de Pamplona por Alicia Juan

La exposición que acoge las salas del Museo Reina Sofía parte de los encuentros de Pamplona de 1972, el festival internacional de arte de vanguardia más significativo de los que se han celebrado en España. El evento, que se desarrolló entre el 26 junio y el 3 de julio, fue la culminación de las prácticas experimentales de los años sesenta. El calificativo de experimental aludía en la época a aquellas obras que ponían en cuestión los límites materiales de su propio medio, ya fuera poesía, cine, música, pintura o escultura. Más de 350 artistas nacionales y extranjeros fueron partícipes de este evento. La presencia patriarcal de John Cage, con su influencia sobre las tendencias antiarte de los años sesenta, vino a convertirse en el símbolo de esa propensión general hacia el acto o 'event'.

La ciudad de Pamplona fue tomada, no sólo por las últimas tendencias artísticas del momento (en especial por aquellas vinculadas a la poética del acontecer) sino por el público en general. Por cómo se activó el espacio, se puede considerar este evento como el principal acontecimiento de arte público que se vivió en nuestro país. En aquel verano de 1972 la capital navarra fue la primera sede de un recorrido artístico que continuaría en el Festival de Spoleto, la Documenta 5 de Kasssel y la XXXVI Bienal de Venecia.

A diferencia de otros eventos similares, su financiación fue casi toda de carácter privado –Grupo Huarte- y su organización estuvo a cargo de – Grupo Alea-, más en concreto de un pequeño equipo dirigido por el compositor Luis de Pablo y el artista José Luis Alexanco. Las peculiaridades de su gestación, en aquel contexto histórico, son indicativas de su naturaleza paradójica: por un lado, bajo la dictadura franquista sólo la iniciativa privada pudo hacer posible la celebración de un evento de aquellas dimensiones y por otro, fue precisamente esa financiación privada la que permitió concebirlo como un servicio público, como un regalo para la ciudad con un marcado carácter divulgativo, gratuito y festivo.

No es de extrañar que aquellos Encuentros fuesen también motivo de enfrentamiento y controversia. Se produjeron muchos sucesos no programados, como retirada de obras, escritos de protesta, coloquios reivindicativos, presencia policial algún que otro atentado con escasas consecuencias, comunicados de ETA. El comisario de la muestra José Díaz Cuyás resume muy bien con esta frase lo que significó aquel evento en su unidad, “una totalidad compleja y paradójica que, por su envergadura, se constituyó en el inevitable reflejo de las contradicciones, de los deseos y los temores, de los logros y también de los delirios artísticos e ideológicos dominantes en el arte español durante los últimos años de la dictadura”.

La exposición
El recorrido está estructurado cronológicamente siguiendo los ocho días y lo que aconteció en cada uno de ellos, entre el 26 de junio y el 3 de julio de 1972. Las salas del Museo Reina Sofía ofrecen un recorrido donde se alternan las piezas originales, en gran parte documentadas debido a su carácter efímero, junto con material de archivo sobre todo lo que fue ocurriendo. Se presentan trabajos significativos históricamente y material documental: fotografías, películas, piezas sonoras, recortes de prensa, escritos…

Este recorrido sobre los Encuentros viene precedido de dos salas iniciales: la primera, dedicada a las actividades de sus financiadores, el Grupo Huarte; y la segunda, a las actividades de sus organizadores, el Grupo Alea. Por otro lado, tanto la Muestra de Arte de Vasco Actual, como el Centro de Cálculo y la Poesía visual y fonética en la cúpula neumática tienen en el recorrido un espacio diferenciado.

Las actividades culturales y de mecenazgo del Grupo Huarte constituyeron un ejemplo sin parangón en la historia del arte español en las décadas de los cincuenta y sesenta.
El grupo industrial, de carácter familiar, desarrolló un programa sistemático de apoyo al arte contemporáneo mediante la creación de un centro de relaciones públicas e integración social que se nutría en un porcentaje variable de los beneficios de las diversas empresas. La historia que culminaría en el proyecto multitudinario de los Encuentros de Pamplona, había comenzado mucho antes. Detrás de arquitectura de vanguardia como Torres Blancas, de la productora X Films (destacada por su vertiente experimental), o de la creación de la editorial Alfaguara, estaba el Grupo Huarte.

En 1971 Jesús Huarte solicitó a Luis de Pablo, director de Alea, la organización de los Encuentros de Pamplona 1972. La intención era que el evento tuviera una continuidad como bienal, pero una vez que finalizaron las actividades públicas y de mecenazgo del Grupo Huarte en 1973, no se pudo hacer realidad. Luis de Pablo había fundado ALEA en 1965 con el patrocinio de la familia Huarte. Este hecho significó, por un lado, la creación del primer laboratorio de música electrónica en este país y por otro, la difusión musical a través de la organización de conciertos y conferencias que acogía también manifestaciones musicales tradicionales de otras culturas. En 1971 ALEA recibió el encargo de organizar un festival en la ciudad de Pamplona, el resultado culminaría un año más tarde, con los míticos Encuentros de Pamplona. Dirigidos por Luis de Pablo y Jose Luis Alexanco estos Encuentros supusieron, desde el punto de vista sonoro, la culminación de la labor que se venía realizando desde la fundación de ALEA.

Dentro de los Encuentros de Pamplona, se organizó la Muestra de Arte Vasco Actual que además de controvertida, desde el principio tuvo un planteamiento distinto al del resto de las actividades programadas. Fue la única exposición centrada en los géneros tradicionales de pintura y escultura; además, esta diferencia se vio enfatizada por su emplazamiento, El Museo de Navarra, un lugar distante respecto a los demás actos tanto en lo geográfico como en lo simbólico. En esta sala se recogen varios artículos de prensa donde se explica las razones por las que Chillida retira su escultura de la muestra; una carta de Oteiza oponiéndose a los Encuentros o la protesta de varios artistas ante la censura de un cuadro de Dionisio Blanco.
En Generación automática de formas plásticas y sonoras, comisionada por Mario Fernández Barberá, se mostraron obras producidas en tiempo real por ordenador. En 1966 se había creado el Centro de Cálculo como resultado de un acuerdo entre la Universidad de Madrid e IBM. Su actividad estaba orientada a atender las necesidades de cálculo en las tareas docentes y de investigación. Una de las actuaciones que desarrolló este Centro de Cálculo fue la aplicación de la informática al campo de la creación artística, abordado con una visión multidisciplinar donde se aunaba plástica, arquitectura, música y cine.
También durante los encuentros tuvo lugar en la Cúpula Neumática la muestra Poesía Visual y fonética. En ella se observaba una modesta presencia de españoles, lo que ponía de manifiesto la precariedad de la poesía experimental en España.

La modesta presencia de autores españoles en la muestra reflejaba tanto una precariedad comparativa de la poesía experimental española como la naturaleza controvertida de la propia celebración de los Encuentros. Reflejaba, al mismo tiempo, las contradicciones características del momento entre un formalismo extremo (Santi Pau, Carles Camps) y la reorientación política hacia el contexto del arte y de la poesía (Arias-Misson, Gómez de Liaño y, de nuevo, Santi Pau), así como el interés por la indagación de la materialidad plástica y tipográfica de la página (Gómez de Liaño, Molero, Pau).

El CAYC, Centro de Arte y Comunicación de Buenos Aires, también acudió a Pamplona con la muestra itinerante Hacia un perfil del arte latinoamericano. Esta muestra se pudo ver en la Cúpula Neumática. Por otro lado, hay que destacar en el recorrido la proyección de un documental de José Antonio Sistiaga; el espacio dedicado a Valcárcel Medina; una reconstrucción realizada por Frank Ancel de un fragmento de la película de Vladimir Malakovski “Atrápalo por el celuloide” (1918); la película de Juan Antonio Aguirre “Los Encuentros de Pamplona”, o los trabajos de Juan Hidalgo, Antoni Muntadas, Eugeni Bonet, Jordi Benito… También se ha dedicado un espacio a documentar a través de varias fotografías las Cúpulas Neomáticas realizadas por José Miguel de Prada, que sirvieron para acoger algunos de los eventos y fueron un símbolo para los Encuentros.
Así mismo, en algunas de las salas se reproducen piezas sonoras junto a fotografías y documentos de sus autores; es el caso de John Cage, Steve Reich, Zaj,… También es interesante destacar la reproducción de dos emisiones realizadas en su día por el programa de TV2 Galería (Revista Semanal de Artes y Letras). Se trata de un material inédito sobre los encuentros de Pamplona.

Catálogo
La exposición está acompañada de un extenso catálogo, que ha sido patrocinado por el Gobierno de Navarra y el Ayuntamiento de Pamplona. Se trata de un libro de referencia que recoge mucho material inédito y refleja la naturaleza interdisciplinar de los Encuentros de Pamplona. La publicación, además de la reproducción de los trabajos expuestos, incluye los siguientes textos:
-Vicente J. Benet: Imágenes/Revueltas: cine y vídeo en los Encuentro 72.
-Pepa Bueno: Esto se hincha.
-José Díaz Cuyás: Literalismo y carnavalización. En La Última Vanguardia1.
-Patricia Molins: Operación H: de la Bienal de São Paulo a los Encuentros de
Pamplona.
-Esteban Pujals: Poesía visual y fonética en la cúpula desaparecida.
-Carmen Pardo Salgado: La Aventura del Arte: en torno a la música.
-Francisco Javier San Martín: Pamplona 72, fase final de un desencuentro.

Actividades paralelas
En el marco de la exposición, se han organizado una serie de actividades que complementan el contenido de la muestra.
La Música en los Encuentros
El Museo Reina Sofía y el Centro para la Difusión de la Música Contemporánea (CDMC), han organizado tres conciertos con ocasión de la muestra que recuerdan la importancia que tuvo la parte musical de aquella histórica cita celebrada en 1972.
Por un lado, se contará con la presencia de Steve Reich, padre del minimalismo musical, (que asistió a las míticas jornadas en Pamplona), por otro, estará presente la música electrónica protagonizada por nombres pioneros españoles, y por último, se incluirá en el programa el recuerdo de los conciertos de ALEA, (organización dirigida por Luis de Pablo, que además de montar los Encuentros, había desarrollado una trascendental serie previa de conciertos en Madrid a la que asistieron nombres de auténtica referencia mundial, como Pierre Boulez o Karlheinz Stockhausen).

1
Steve Reich / Bang on a Can
“Encuentros de Pamplona I”
Steve Reich: Clapping Music, New York Counterpoint, Piano Phase/Video Phase, Music for Pieces of Wood, Electric Counterpoint, Sextet
Martes, 3 de noviembre. 19:30h. Auditorio 400

2
Eduardo Polonio, electrónica
“Encuentros de Pamplona II”
Horacio Vaggione: Modelo de Universo III
Antonio Agúndez: Regresiones
Tomás Marco: Recuerdos del porvenir
Francisco Guerrero: Diapsálmata
Steve Reich: Clapping Music
Eduardo Polonio: Oficio
Martes, 10 de noviembre. 19:30h. Auditorio 400

3
Solistas de la ORCAM
Nacho de Paz, director
“Encuentros de Pamplona III: Luis de Pablo: de ALEA a los Encuentros de Pamplona”
Franco Donatoni: For Grilly
Luis de Pablo: Módulos I
John Cage: Construction nº 3
Luis de Pablo: Prosodia
Karlheinz Stockhausen: Zyklus
Lunes, 16 de noviembre. 19:30h. Auditorio 400

Ciclo de cine y seminario
Este ciclo reflexiona sobre el lugar de la imagen en movimiento en los Encuentros a partir de dos posibilidades. La primera, la reconstrucción de la historia, aproximándose tras una prolongada investigación a lo que se mostró durante la semana del 26 de junio al 3 de julio en Pamplona. En segundo lugar, ensayando una tentativa de interpretación entre el testimonio de sus protagonistas y la opinión posterior de historiadores y críticos. Programado por Henri Langlois, director entonces de la Cinemateca Francesa, el ciclo presenta los límites difusos del cine entre imagen y texto; pantalla y lienzo; teatro y experiencia que resume cómo las reflexiones sociales, temporales y contextuales de los Nuevos Cines y las neovanguardias se concentran en la imagen proyectada.

Javier Aguirre, en conversación con José Díaz Cuyás.
Jueves 7 de enero 2010
Javier Aguirre
- Playa insólita, 1962. 35 mm, color, sonido, 20'
- Los cuatro elementos, 1969. 35 mm, color, sonido, 10'
- Objetivo 40º, 1968-70. 35mm, b/n, sonido, 12'02’’
- Espectro siete, 1969-70. 35mm, color, sonido, 8'25’’
- Uts cero, 1967-70. 35mm., b/n, sonido, 9’04’’
- Impulsos ópticos en progresión geométrica, 1970. 35mm, color, sonido, 9'12’’
- Innerzeitigkeit (Temporalidad Interna). 1960-70, 35 mm, b/n, sonido, 16'

Isidoro Valcárcel Medina, en conversación con José Díaz Cuyás.
Viernes 8 de enero 2010
Isidoro Valcárcel Medina
- La celosía, 1972. 16 mm transferida a DVD, b/n, sonido, 115’
This is my roof. Dennis Oppenheim, en conversación con Eugeni Bonet.
Jueves 14 de enero 2010
Dennis Oppenheim.
-Extended Armour, 1970. Vídeo monocanal, 2’08’’, b/n, sin sonido
-Gingerbread Man, 1970. Vídeo monocanal, 1’42’’, b/n, sin sonido
-Fusion: Tooth and Nail, 1970. Vídeo monocanal, 2’58’’, color, sin sonido
-Nail Sharpening, 1970. Vídeo monocanal, 2’57’’, b/n, sin sonido
-Rocked Stomach, 1970. Vídeo monocanal, 2’48’’, color, sin sonido
-Toward Becoming a Devil, 1970. Vídeo monocanal, 2’20’’, b/n, sin sonido

José Antonio Sistiaga, en conversación con Francisco Javier San Martín.
Viernes 15 de enero 2010
José Antonio Sistiaga.
-Ere erera baleibu icik subua aruaren, 1968-70. 35 mm. pintada a mano, color, sin sonido, 75’
- Documental Encuentros 72, Pamplona, 1972. 16mm. transferida a DVD, b/n, sin sonido, 51’44’’

Antoni Padrós, en conversación con Mery Cuesta.
Jueves 28 de enero 2010
Antoni Padrós
-Lock Out, 1973. 16 mm. transferida a DVD, b/n, sonido, 140’

José Luis Alexanco.
Viernes 29 de enero 2010
José Luis Alexanco y Luis de Pablo
-Tamaño Natural, 1973. Película 16 mm. transferida a vídeo, color, sonido, 41’48

Mauricio Kagel, presenta Carmen Pardo.
Jueves 4 de febrero 2010
Mauricio Kagel
-Match, 1966. 16 mm, b/n, sonido, 27’
-Hallelujah, 1969. 16 mm, b/n, sonido, 47’

Ian Breakwell, John Latham y Stan VanDerBeek.
Viernes 5 de febrero 2010
Ian Breakwell
-Sheet, 1970. 16 mm, b/n, sonido óptico, 21’

John Latham
- Britannica, 1971. 16 mm, b/n, sin sonido, 6’
-Earth, 1971. 16 mm, color, sonido óptico, 25’
-Speak, 1962. 16 mm, color, sonido óptico 11’

Stan VanDerbeek
- Poemfield No. 2, 1966. 16 mm, color, sonido, 6’
- Poemfield No. 5: Free Fall, 1971. 16 mm, color, sonido, 7’
-Symmetricks. 1971. 16 mm, b/n, sonido, 6’

Phillipe Garrel, presentación a cargo de Vicente Benet.
Jueves 11 de febrero 2010
Philippe Garrel. Le Lit de la Vierge, 1969. 35 mm, b/n, sonido, 114’

Gonzalo Suárez, presentación a cargo de Vicente Benet.
Viernes 12 de febrero 2010
Gonzalo Suárez. Aoom, 1969. 35 mm transferida a DVD, color, sonido, 94’
Encuentros de Pamplona: Fin de fiesta del arte experimental

FECHAS
Del 27 de octubre 2009 al 22 de febrero 2010
LUGAR
Museo Nacional Centro de Arte Reina Sofía. Edificio Sabatini. 3ª planta
ORGANIZA
Museo Nacional Centro de Arte Reina Sofía
Comisionado: José Díaz Cuyás
Comisaria adjunta para música: Carmen Pardo
Comisario adjunto para poesía: Esteban Pujals
Documentalista: Clara Saña
Coordinadoras: Belén Díaz de Rábago y Soledad Liaño

Pierre Gonnord Terre de personne por Alicia Juan

Sala Alcalá, 31, Madrid. Del 17 de diciembre de 2009 al 28 de febrero de 2010.
Comisario: Rafael Doctor

Fotografías en metacrilato en gran formato de retratos y paisajes de lugares remotos del norte de España y Portugal principalmente.
En el espacio, se proyecta un video en el que nos muestra de cómo es el proceso de creación de su obra, dando una importancia a la territorialidad y corporalidad del individuo en un contexto determinado, así como a unas costumbres rurales.
En su proceso de trabajo, interactúa con los modelos estableciendo una serie de afinidades con ellos, observando sus costumbres y silencios para que enriquezcan posteriormente su discurso, una contemplación activa. Le da gran importancia a la comunicación humana y nos muestra algo que parece tan lejano en las grandes urbes y que, forma parte de nuestro paisaje cultural fuera de las marañas metropolitanas como algo mucho más normalizado entre los lugareños que entre los urbanitas.
Habla de fuerzas vivas en los territorios, de cómo el esbozo o idea principal del proyecto, a medida que transcurría, se iba modificando y abriendo hacia otros campos que no estaban preestablecidos, de cómo le han influido las emociones de otros y de la naturaleza.
Le encuentro una similitud importante con el trabajo que hizo Richard Avedon para el Museo Avon Carter, cuando éste se recorrió la América profunda en 1979, fotografiando a desconocidos que nunca harían historia. Ensalzaba y dignificaba la humanidad de esos personajes en gran formato, pero con luz natural y fondo blanco a diferencia de Gonnord, donde la luz es artificial y fondos oscuros para los retratos que nos remiten sin querer, al Barroco.
El puctum principal de los retratos es la mirada y los secundarios, sus ropajes y la textura de la piel. Creo que ha conseguido introducir al espectador dentro del alma de esas personas a través de sus ojos, estableciendo un diálogo con ellos a medida que te introduces en sus miradas esperando sin fortuna una respuesta, preguntándote sobre sus pensamientos, deseando que ellos te correspondan aunque sólo sea, por un instante.

Shirin Neshat en Madrid por María Gómez

Atención Aviso IMPORTANTE, cambio de planes para el JUEVES
ME AVISA Alicia que han modificado el calendario de charlas con los videocreadores y trasladado la del jueves, con lo cual nos encontramos en clase a las 17.00 hs para las últimas presentaciones de proyectos personales (María, Mario, Ana...) Por favor, los que leáis el blog pasarle la info al resto de compañeros para que nadie se despiste.

Desde su exposición La última palabra, que durante la temporada 2005-2006 fue itinerante, en España no veíamos obra de nueva producción de Shirin Neshat, esta artista iraní afincada desde los 17 años en los Estados Unidos.
Por suerte ahora- después de ser galardonada con el León de Plata por "Women without Men" en el Festival de Cine de Venecia en Septiembre del pasado año- vuelve a España. Sin embargo solo podremos ver su última película los días 3 y 4 de Marzo en el museo Reina Sofía, dado que este film no ha encontrado aún una productora interesada en distribuirlo en nuestro país.
No obstante, y mientras tanto, la exposición que la Fábrica Galeria inauguró el día 3 de febrero, nos trae un adelanto de sus últimas fotografías, pertenecientes a la serie Games of Desire (2009) y un vídeo, Faezeh (2008), que habla de una de las personajes que forman parte de la historia de Women without Men.
Faezeh, forma parte del trabajo Women without Men*, vídeoinstalación creada entre 2004 y 2008 y compuesta de cinco títulos: Mahdokht, Zarin, Munis, Faezeh y Farokh Legha.
Esta serie de trabajos se basa en la novela homónima de Shahrnush Parsipur y cuenta las historias de las cinco protagonistas femeninas del libro. La duración completa es de una hora y cuarto, y también este mes, en el Stand de Arco de La Fábrica Galería podremos ver dos de los vídeos que integran esta serie.
En Games of Desire, Shirin Neshat retrata la cada vez más minoritaria tradición del Iam. Esta anigua costumbre perteneciente a Laos corre el riesgo de desaparecer, y es un ritual a través del que hombres y mujeres se cortejan cantando; intercambiando melodías de tanta belleza y sugestión llegan a un estado de embriaguez que parece ser lo único que les hace olvidar y transgredir, especialmente a las mujeres, los estrictos códigos definidos por los roles de género y regular la expresión sexual de sus vidas cotidianas.

De este modo en la exposición, que podremos ver en Madrid hasta el 31 de Marzo, se intercalan los retratos fotográficos ( Games of Desire) de hombres y mujeres adornados con las traducciones Farsi del Iam mediante los que la artista trata del “sentido de tener que ocultar el deseo y la pasión, así como de la culpa y la represión" y "también de la ironía de cómo los ancianos hablan de una forma tan abierta de la pasión", con la proyección un vídeo donde se habla del dolor y la angustia de una mujer musulmana cuyos sueños de familia y matrimonio se ven rotos por una violación.
La artista explora los dilemas sexuales, políticos, religiosos y psicológicos que surgen actualmente en Irán, a través de los ojos de las mujeres. “Todos los personajes de mis obras se sobreponen al dolor y también muestro la valentía de las mujeres en Irán contra la opresión y en busca de la libertad”, dice recordando que también la artista Marina Abramovic se centra en el dolor en su obra.
Y aunque Shirin admite que nunca pensara en que ambas series se mostrarían en un espacio común, reconoce que hay un paralelismo tanto entre ellas, como entre Irán y Laos; y lo hace añadiedo que “las dos series tienen en común la temática de la sexualidad controlada por la política”.

* Women without men es el título de la novela de Shahrnush Parsipur, y que posteriormente a dado nombre a la video instalación de Shirin Neshat, así como a su primer largometraje y último trabajo, que a pesar de ser más narrativo que los anteriores, sigue siendo muy visual y con poco diálogo.

Mateo Maté por Andrea Zavala y Laura Sánchez

Viajo para conocer mi geografía

El Matadero de Madrid presenta desde el 29 de Enero hasta el 14 de Marzo una instalación de Mateo Maté, Viajo para conocer mi geografía.

El espacio donde tiene lugar, “Abierto x Obras” se ajusta perfectamente con la obra. Parece que el artista la ideó para aquella habitación, ya que la obra es parte de un proyecto en proceso del artista que ya ha presentado en diferentes espacios, disponiendo la instalación de diversas maneras y utilizando no siempre los mismos objetos.

Según entramos: Un despliegue de objetos por el suelo parece no tener un orden. Poco a poco la presentación va tomando forma desde nuestra percepción. Una carretera de juguete recorre todo el espacio dejando estos objetos a los dos lados de si misma. Al fondo una pantalla. Según nos movemos nos damos cuenta de que los objetos trazan una ciudad por la manera en la que están colocados. Son distinguibles las áreas de una ciudad conocida: Madrid. Todo empieza a cobrar sentido, y se construye como un puzzle donde las piezas que el artista ha colocado van ajustándose unas con otras añadiendo su significado, haciendo el mensaje del artista cada vez más completo y sugerente. Una pieza más: encontramos un cochecito de juguete que conduce por la carretera con dos faros encendidos que iluminan en pequeña escala los edificios que las cajas y botellas dibujan. El fragmento determinante es del que somos conscientes en última instancia: el vehículo, posee una cámara incorporada cuya grabación es directamente proyectada en la pantalla central del fondo. Una proyección a tiempo real. La ciudad es aún más perceptible desde el punto de vista del juguete que se mueve. La escala y la proporción es la exacta para que parezca un viaje por las diferentes zonas de Madrid.


La obra pertenece a una serie que Mateo Mate nombra Viajo para conocer mi geografía, y cierto es que tanto su geografía como el viaje están presentes. ¿Pero no es, justamente, la geografía de uno, aquella que conocemos más? Parece que el artista necesita de un hincapié en aquello que tiene cerca, en lo cotidiano y lo familiar, para conocer, quizás, sus percepciones y sensaciones en cuanto al resto de cosas: “Si consideramos que no disponemos de nada más allá de nuestras sensaciones, son éstas las que debemos explorar como si fueran parajes desconocidos”. Su geografía, se muestra como un paisaje por explorar, y es justamente descubierto por los objetos que dibujan su cotidianeidad. Se podría decir que usa esta especie de recorrido para ‘viajarse’, visitando su intimidad, aquella que ya ha tenido lugar y ahora repasa. La geografía de Mateo Mate, conformada por sillas, cajas, libros, botellas, platos, cubiertos…objetos que son parte de su proceso creativo, que ha utilizado para interpretar y clasificar la realidad. La realidad que supone su entorno mas familiar.

Mateo Maté (Madrid, 1964) ha participado en exposiciones individuales como Reliquias de artista (Museo Patio Herreriano de Valladolid, 2008), Nacionalismo doméstico (Museo Barjola de Gijon, 2008), Paisajes uniformados(Centro de Arte Caja de Burgos, 2007) o Fronteras Interiores(Centro Cultural de España en Limá, 2006). Su trabajo se encuentra en la colección de la Fundación Marcelino Botín, Museo Patio Herreriano, Centro de Arte de Burgos, MUSAC de León, Fundación Altadis, ARTIUM de Vitoria y Museo Nacional Reina Sofía.

Berger por Elena Vega

Ayer, 8 de febrero, el Museo del Prado rindió homenaje a John Berger otorgándole el premio “Fundación Amigos del Museo del Prado”.
Más que la relevancia de poder asistir a la entrega del mencionado galardón entre gente importante (estaban Barceló, Navarro Baldeweg, creo que Antonio López y muchos bien vestidos) me gustó poder ver de cerca a quien te ha hablado de maneras de mirar y otras muchas cosas, y ser testigo de una performance compartida entre Berger y su hija. Una conversación titulada “Echarse a dormir”, lo que llegaron a hacer casi literalmente ya que acabaron tumbados en el suelo del auditorio sobre una improvisada cama que emulaba ser la misma que habría en la “Estancia de los esposos” del Palacio Ducal de Mantua. Unos paneles en el fondo del escenario reproducían dos de las paredes y el techo de la estancia decorada con frescos de Andrea Mantenga.
Berger y Katya, su hija, comenzaron sentados en unas sillas en un lateral del escenario donde representaron la conversación. Y digo representaron porque no fue espontánea, puede que en su día lo fuera, pero ayer aparecieron con guiones que leyeron/interpretaron con gracia y entrega.
De todos modos el público estaba entregado.
En la presentación de la performance Berger contó que el Prado le parecía una ciudad que extendía por los siglos. Como todas las ciudades tiene distintos elementos que lo conforman: gasolineras, parques, estaciones de autobuses…Él nos invitaba a un viaje en autobús, destino: “echarse a dormir”.
En la performance parecía que estuviesen en la misma “Estancia de los esposos”. Hablaron sobre las obsesiones de Mantegna , sobre cómo observar el “Cristo yacente”, cómo buscaron el punto de vista ideal del espectador y del pintor, tumbados en el suelo del museo de Brera en Milán. Sobre los pies y cómo se unen al suelo a la tierra, la perspectiva espacial y temporal relacionadas entre sí y sus relaciones con el pasado , presente y futuro.
En el Renacimiento, cuando no se concebía el futuro con esa promesa de progreso y se miraba al pasado como un modelo de vida. Los arquetipos del pasado. El valor de lo mineral, el peso de la tierra y el metal. Cómo los cuadros de Mantenga , los retratos respiran ese color a herrumbre. Cómo con ya 17 años, pintaba como un viejo, el paso del tiempo reflejado en las arrugas de sus rostros.
El tiempo, el mineral, la herrumbre, el peso…Y luego, escapar por el óculo. Tumbado en la cama, mirando al cielo y las nubes. Esa nube que se parecía al olvido, decían. Tumbado, el peso desaparece, los pies están a la misma altura de la cabeza (como en los escorzos de Mantenga). Si bien el peso se convierte en “una atracción que invita a ascender”.
Mantenga reunió en la habitación todos esos estratos de lo real que se relacionan con el espectador en el momento de despertar o de caer dormido.
“El olvido garantiza el futuro. Cada uno forma parte de todos. Por eso estamos condenados, hasta que no seamos lo bastante humildes como para comprender nuestro olvido: todos somos todos”
“Las nubes del óculo”

Información de La Casa Encendida:
El día 11 de febrero, a las 18.00 h, contaremos con la presencia de Isabel Coixet y de John Berger, que presentarán el proyecto.
• Del 12 de febrero al 11 de abril.
• Espacios D y E.
Precio: Entrada libre.



Berger transmite energía y pasión por el arte. Parece que tiene las ganas y la curiosidad intactas de un niño pequeño, y tiene 83 años.
Pero la performance pareció no acabar en el Mueso. De vuelta a casa, en el bus, había una pareja de mediana edad sentados detrás de mí. No pude por menos que capturar algunos de sus comentarios sobre lo vivido en el Prado. Otra conversación, otra performance que curiosamente seguía los mismos pasos que la realizada por John y Katya (como firmaban). Una conversación recorriendo la ciudad en el autobús que tenía como destino : echarme a dormir.
Estos son algunos de los fragmentos:
-“Y este señor de dónde ha venido, ¿de Inglaterra? ¿Y le han pagado?
- Pues claro(…..) Porque una cosa es el arte y otra estas filosofías baratas a mí parecer.”
-“Y ahora a estos les podían poner a trabajar…”
-“Yo creo que la gente no estaba atendiendo porque era penoso…” (refiriéndose a uno de los discursos introductorias de los altos cargos) Y tanto.


Este jueves continúa lo que se podría llamar el homenaje madrileño a Berger. Se inaugura en La Casa Encendida la exposición “From I to J. Un homenaje de Isabel Coixet a John Berger”.
“A partir del libro de Berger “From A to X”, en el que una mujer escribe cartas a su marido preso, Isabel Coixet crea una instalación con la colaboración de la arquitecta Benedetta Tagliabue y la complicidad de algunas de las actrices más renombradas del cine actual.
Planteada para ser recorrida en pequeños grupos, la instalación nos sumerge en una atmósfera envolvente donde la luz y el sonido nos llevan sucesivamente por las distintas cartas del libro, que son leídas por prestigiosas actrices y artistas, como Monica Bellucci, Sophie Calle, Patricia Clarkson, Penélope Cruz, Julie Delpy, Isabelle Huppert, Maria de Medeiros, Sarah Polley, Tilda Swinton y Leonor Watling.
Paralelamente podrán verse los retratos fotográficos que Isabel Coixet hizo durante la grabación de las lecturas y una entrevista filmada por ella a John Berger.”